El viernes 15 de mayo a las 20.30 horas, con entrada libre y en la Sala I. Jaka del Museo Mulazzi, tendrá lugar la inauguración de la exposición de dibujos de Javier Francisco Toro “Toro a color. No son sólo dibujitos...”, la cual estará disponible para su visita durante un mes.

Mientras colgaba sus obras el martes 12 por la mañana, el dibujante e ilustrador local hizo referencia a cómo fueron sus primeros pasos en el mundo artístico, su presente y a los objetivos que persigue con muestra que inaugurará en breve.

La pasión que le despierta el dibujo es algo que viene desde su infancia, un factor que hoy sigue más vigente que nunca. Nacido en Tres Arroyos el 16 de marzo de 1989, Javier Francisco Toro (37) pasa gran parte de su día dibujando porque esa es una de sus ocupaciones, además de cumplir funciones en el Tribunal de Trabajo.

Con una amplia experiencia en la técnica del dibujo, arrancó a los 6 años con las clases en la Escuela de Dibujo de Dany Duel. Lo cierto es que, en el último año y medio, se reencontró con los colores tras varios años dibujando en blanco y negro. La exposición reúne parte de sus últimos trabajos siendo esta la primera vez que expondrá en solitario, lo que representa un gran desafío para él tras varias colaboraciones colectivas.

En primer lugar, Toro dejó en claro su alegría por presentarse en un lugar con tanta historia dentro de la ciudad, como lo es el Museo Mulazzi. Dijo que “es una propuesta que no me esperaba, agradezco la invitación de la coordinadora Nerina Vaini. Más que alegre, estoy ansioso (risas) porque todo salga bien”.

Y agregó que “la muestra la componen trabajos que hice a color, lo que es parte de un desafío que me puse hace más de un año porque yo estaba acostumbrado a trabajar con pluma y pincel, en tinta negro y blanco. Empezar a abordar los colores, los valores y los volúmenes, fue el desafío que me puse por delante. Esta muestra, es el fruto de ese desafío personal”.

Con énfasis, el artista aseguró que cambió al color “para no encasillarme solamente en obras monocromáticas. Fue para darle una oportunidad a los colores y trabajarlos no solamente en decir, por ejemplo, uso el blanco para desaturar un poco o crear algunas luces. En la mayoría de los trabajos están presentes los valores y los volúmenes están trabajados con los mismos contrastes de los colores”.

En ese sentido, adelantó que “las sombras que van a ver es el color más otro color, no un negro como oscuridad. Si en algunos casos usé negro para crear más profundidad, incluso también hay obras en las que hay negro, pero con la idea de que resalte mucho más el color”.

Esta será la segunda muestra que presente en el Museo Mulazzi, ya que la anterior fue una colectiva junto a otros colegas. “Es la primera muestra personal, muy contento. La ansiedad responde a que uno quiere que salga todo bien, y que la gente se lleve algo, es mi objetivo. Acepté la invitación de exponer acá, no me la esperaba. Una linda sorpresa, agradecido con quienes trabajan aquí”, sostuvo con la humildad que lo caracteriza.

Al ser consultado por las devoluciones que la da el público al observar sus dibujos y obras finalizadas, contó que “cuando son personajes particulares, los recuerdos florecen automáticamente. Incluso hay una frase que se repite mucho cuando ven a las Tortugas Ninja y es ´uh, mirá, yo las veía cuando era chico…´, dependiendo claro de la edad del espectador”. 

La mayoría de los cuadros son obras de personajes conocidos de historietas, animé, animación y películas. “Lo que trato de hacer justamente con esto es darle un valor más a eso, es el otro objetivo que tiene la exposición. Darle un valor agregado al trabajo de dibujar un determinado personaje”, subrayó.

Puntualizó que hoy el arte “ha explotado en diferentes formas, incluyendo la inteligencia artificial. Pero no hay algo tan masivo como un personaje, en mi caso me metí de lleno en la cultura del animé y la historieta para encontrarme con tremendos artistas. No es solamente dibujar unos monitos y ya está, todo lo contrario. Eso es lo que quiero que se lleve el espectador”.

Sobre la elección de los personajes a dibujar, explicó que “El Eternauta fue por un valor personal, es el primero que hago. Otros personajes evocan recuerdos y se vienen repitiendo con una franquicia bastante grande, aunque todos tienen algo importante, ya sea porque fue lo primero que vi o una historieta que leí. También puede haber alguna obra con un tinte más político. La realidad es que cada trabajo y cada personaje fue una necesidad automática de hacerlo”.

Con tono de satisfacción, reflexionó que “estos dibujos para mí son un gran trabajo terapéutico, se me ocurrieron y los hice. Básicamente todos tienen eso, el tener ganas de hacerlos. Me siento, dibujo y pinto. No hay otra fórmula, no lo pienso mucho (risas). La obra es la que me va diciendo hasta dónde llega y cuánto más necesita. Contento con el resultado obtenido”.

Al recordar aquellos primeros pasos en la Escuela de Dibujo de Dany Duel, señaló que “comencé de chico con los modelos que te daba para hacer caricaturas y a partir de ahí, fui creciendo. Hoy siento que recuperé eso, a mis 37 años rescaté esa necesidad de hacer lo que me gusta. Me acuerdo que iba con una figurita para hacer tal dibujo, me dio las herramientas para aprender y hacer. Mi formación fue esa, siempre trabajé con personajes e ideas”.

Destacó que cuando arrancó, “siempre traté de aportar recursos con tempera, luego con acrílico y después con tinta. La mayor de mi formación con Dany Duel fue en blanco y negro, el color fue apareciendo de a poco hasta que lo incluí por completo en mis obras. Es importante respetar los momentos de inspiración y no trabajar forzado, o sin ganas”.

Confesó que cuando terminó su primera obra a color, sintió que tenía mucho más para hacer. “Fue una satisfacción enorme, entendí que podía seguir en esa línea. En el Museo Mulazzi van a ver obras con acrílico y con óleo pastel. Algunas fueron más trabajos de prueba para poder llegar a otro resultado. El óleo pastel lo agarré por esa necesidad de jugar con materiales, un gran proceso. Cada trabajo me va llevando a otra necesidad diferente”, indicó.

El gusto de Javier Francisco Toro por pintar en blanco y negro sigue, no lo perdió, pero sumarle el color a sus obras le hizo enfrentar un nuevo “desafío” en su tarea diaria para el cual se siente más que preparado. “Pintar con colores es otro mundo totalmente diferente. Los espero para que puedan visitar la muestra ´A Toro color´”, concluyó.

Aquellos interesados en obtener más información sobre sus obras y trabajos, puede visitar la cuenta de Instagram @torodibuja

Ayer por la noche en el Museo de Bellas Artes de Tres Arroyos (Mubata) con entrada libre y buena presencia de público, se inauguró la muestra “Raíces mestizas”. Una exposición de la artista y docente local Melina Campano que se podrá visitar durante todo el mes, cuyo trabajo se inscribe en las artes del fuego y en un profundo vínculo con la tierra, la memoria y los saberes ancestrales.

Su recorrido iniciado en la formación académica se transforma en una búsqueda personal que la lleva a reencontrarse con la cerámica originaria, donde el barro deja de ser solo materia para convertirse en territorio, lenguaje y memoria viva. En ese proceso, su obra recupera conocimientos que permanecieron ocultos durante siglos, revalorizando el mestizaje como identidad en movimiento.

Las piezas remiten a las culturas precolombinas, donde lo utilitario, lo simbólico y lo ritual convivían en una misma forma. La cerámica era parte de la vida cotidiana, pero también un medio de conexión con la naturaleza y con las cosmovisiones de los pueblos.

En este sentido, es que la protagonista construye un lenguaje contemporáneo atravesado por la relación con el agua, los bosques, la flora y la fauna. Lenguajes que utiliza la artista y que se pueden observar en los proyectos publicados en las redes sociales de Kuntur Cerámica.

En la muestra, se destacan por ejemplo las jarras silbadoras -piezas que integran arte y sonido- capaces de emitir silbidos a través del movimiento del agua, evocando voces y sonidos de la naturaleza, tal como sucedía en las culturas ancestrales en sus rituales.

La exposición incluyó además una mesa de trabajo con materiales, una pequeña instalación y un conjunto de obras que permiten acercarse al proceso creativo y a la relación íntima entre la artista y la materia. “Raíces mestizas” invita a escuchar la tierra y a reconocer las huellas del pasado en el presente, pero también a pensarnos como parte de una cultura viva y activa.

Melina Campano definió a “Raíces mestizas” como un recorrido suyo por la cerámica, que incluye su mirada puntual sobre el barro. Se trata de una muestra que busca rescatar un poco las culturas, proponiendo una contemplación más de la tierra con respecto a la cerámica. La propuesta está atravesada por sus viajes y años de investigación vinculados a técnicas ancestrales y cerámica prehispánica.

Martina  Legarreta fue seleccionada para formar parte de la competencia de Flavio Mendoza, un logro enorme que refleja su dedicación, pasión y amor por el baile desde tan chiquita.

Con tan solo 4 años, Marti ya demuestra un talento y una presencia que emocionan, y este paso es el comienzo de un camino lleno de sueños, esfuerzo y crecimiento. 

Su familia expresó que “estamos orgullosos y felices de acompañarla en cada paso. Sabemos que esto recién empieza, pero ya es un gran motivo para celebrar”.

Las organizadoras de la 3ra edición del Festival Tres Arroyos a Escena llevarán a cabo un evento con artistas locales de distintos lenguajes escénicos: teatro, danza, música, poesía y artes visuales, quienes participarán con pequeñas propuestas.

La propuesta tendrá lugar el viernes 10 a las 21 horas, en la reinauguración del centro cultural Casa Eco y cuando falta un mes para la 3ra edición de la mencionada propuesta.

La Varieté será guiada por una presentadora. El encuentro contará con bufett y barra de bebidas. El acompañamiento en la sonorización del evento estará a cargo de Diego Moyano, quien oficiará de DJ al finalizar las presentaciones escénicas

Las entradas tendrán un valor de 5000 pesos en puerta, en Eco Casa Cultural, ubicada en San Lorenzo 253. Se invita a sumarse a toda la comunidad.

Las organizadoras del festival son Valeria Piscicelli, Tey Campano, Emilia Musi, Berta Villanueva, Silvina Pallotti y Alfon Ruiz.

El sábado 11 de abril se llevará a cabo un seminario práctico de serigrafía. Será de 14 a 18 horas en el Museo de Bellas Artes de Tres Arroyos (Mubata). La capacitación, organizada junto a la academia de serigrafía Campoy, estará destinada a quienes deseen iniciarse en esta técnica para perfeccionar sus conocimientos.

Durante la jornada, los asistentes aprenderán a preparar matrices con emulsión fotosensible, técnicas de impresión artística con tinta al agua y su aplicación sobre distintos soportes como telas, papel, cartón y madera.

Los cupos son limitados y el curso es arancelado, por lo que quienes estén interesados en sumarse a esta propuesta deberán inscribirse previamente al 291 - 6440818 o bien, escribir al Instagram @museoartetresarroyos / @serigrafiacampoy

En ese marco, los asistentes podrán aprender serigrafía desde cero y empezar a crear sus propias estampas, ya que en este taller 100% práctico aprenderán cómo preparar la matriz con emulsión fotosensible profesional, la técnica de impresión artística con tinta al agua y su aplicación sobre telas, papel, cartón y madera.

No se requiere experiencia previa y se entregarán todos los materiales necesarios para tal fin. Se trata de una actividad ideal para artistas, emprendedores o cualquier persona con ganas de crear.

José “Pepe” Campoy es tipógrafo, diseñador gráfico, impresor serigráfico y profesor recientemente jubilado de la Escuela de Artes Visuales de Bahía Blanca, con más de 30 años de experiencia en el oficio.

Él será quien lleve adelante el seminario, a través del cual invita al público a descubrir y aprender una técnica de impresión que sorprenderá por su enorme potencial para reproducir imágenes y por el atractivo de completar una formación integral en el oficio textil.

En diálogo telefónico con La Voz del Pueblo, Campoy contó que la iniciativa tiene varios objetivos. En primer lugar, explicó que “la serigrafía consiste en transferir el logo o la imagen que se desea estampar a través de una malla denominada ´pantalla´. Por cada color que se quiera, necesitamos una pantalla adicional. Estas pantallas permiten pasar la tinta para formar el dibujo deseado. El paso de la tinta se bloquea en las áreas donde no habrá imagen mediante una emulsión o barniz, y queda libre en las zonas donde pasará la tinta”.

Y agregó que “el sistema de impresión es repetitivo, por lo que una vez que en el primer modelo se logre, la impresión puede ser repetida varias veces sin perder nada de resolución”.

Durante el seminario, adelantó que se van a imprimir varias imágenes, “pero una es especial porque es del ilustrador Julián Mendiondo de Punta Alta. La ilustración elegida es un retrato de Gustavo Cerati que está compuesta de múltiples pequeñas imágenes referidas a sus canciones. Los que participen, podrán llevar remeras para imprimirse ese dibujo”.

Llegará por primera vez a Tres Arroyos para presentar en el Mubata una propuesta de serigrafía artística comercial, “teniendo en cuenta que vamos a trabajar en láminas artísticas con dos reproducciones de láminas, lo que posibilitará a muchos emprendedores y artistas aprender la técnica que es manual y ancestral, pero que se modernizó mucho con nuevas tintas, fórmulas y emulsiones que sirven para grabar la matriz”, sostuvo.

En ese sentido, aclaró que la matriz tiene un relevado fotográfico, “tipo a la vieja usanza de la fotografía. En mi formación en la Escuela de Artes Visuales, hicimos fotografía con revelado manual que no era con químicos sino directamente con agua porque uno revelaba una matriz e iba viendo cómo aparecía la imagen. Es muy atractivo y fácil de hacer, no es para grandes entendidos. Es una técnica muy práctica enseñándola bien”.

En la continuidad de su explicación sobre el método a utilizar, subrayó que “una vez que copiamos esa matriz con el revelado, podes hacer múltiples reproducciones de manera simple. Es pasar una herramienta con tintas al agua sin olor -similar a la tempera- con una fórmula que se agarra sobre cualquier tipo de tela. Podes imprimir hasta bolsas de friselina, algodón, poliéster, papel, cartón, cartulina y más”.

Adelantó que el seminario les servirá a aquellos que, por ejemplo, “quieran dedicarse en una Pyme a producir impresiones para terceros, a los emprendedores o incluso a artistas que deseen hacer su propio packaging con bolsas de lienzo, friselina o cajas para entregar sus trabajos. Les será útil para poder personalizarlas”.

Por último, José “Pepe” Campoy definió a la serigrafía como “una técnica artística dentro del grabado. Es muy entretenida y visual, no van a estar sentados mirando cómo lo hago yo, sino que va a ser dinámico el encuentro. Los espero”.

El Museo Mulazzi invita al público a visitar la muestra denominada “Mil veces buenas noches” de la reconocida artista plástica local Mariana Fernunson, una exposición que quedó inaugurada el viernes 13 de marzo por la noche en la Sala Mayor con entrada libre, y que contó con muy buen marco de público. Estará disponible para su visita hasta el martes 14 de abril inclusive. 

En el marco del mes internacional de la mujer, cabe señalar que esta muestra reúne una selección de obras que recorren distintos momentos de producción, configurando una mirada retrospectiva sobre un período de trabajo centrado en la exploración del cuerpo y la figura humana como territorio emocional.

“Entre la figuración y la síntesis expresiva, las imágenes revelan estados íntimos donde el color y el gesto pictórico dejan de describir para volverse portadores de clima, tensión y sensibilidad. Las figuras habitan instantes suspendidos: momentos de introspección, vulnerabilidad y presencia”, explicó en diálogo con La Voz del Pueblo Mariana Fernunson sobre las figuras que se pueden apreciar en sus obras.

Esta retrospectiva marca el cierre de un ciclo en la producción de la artista y, al mismo tiempo, la apertura hacia una nueva etapa de búsqueda, expansión y transformación, reflejo de movimiento natural de la vida.

“El color, a veces contenido y otras vibrante, no busca describir sino manifestar climas internos, tensiones y silencios. Es decir, las figuras no narran acciones concretas: habitan instantes suspendidos, donde la pintura se vuelve espacio de reflexión sobre la identidad, la fragilidad y la fuerza”, agregó.

Dijo que la muestra en sí misma “es retrospectiva, trata de un proceso que hice a lo largo de mi vida hasta hoy, en el cual he necesitado al arte como catarsis. El arte me permitió plasmar ideas, sacar angustias, alegrías y expresarme libremente, son cuadros coloridos y variados. Invito a que la gente visite la muestra”.

Al ser consultada por las características principales que presentan sus trabajos, señaló que las obras “tienen un poco de todo, ya que en general pinto sobre tela, salvo algunas acuarelas que son sobre papel. Trabajo tanto óleo como acrílico sobre tela. Tuve una época de óleo, y las últimas pinturas son en acrílico, pero la idea que tengo es volver al óleo. También hay algunos dibujos en lápiz negro”.

Sobre el nombre que eligió para esta exposición, indicó que “Mil veces buenas noches” tiene que ver “con esta transformación que se produce a lo largo de períodos en los que uno como que está apagado y resucita, es un poco en referencia a eso. Muy contenta por la cantidad de gente que vino, espero le gusten las obras, las cuales han tenido un resultado sumamente positivo para mi”.

Agradeció a la coordinadora del Museo Mulazzi (Nerina Vaini) por la invitación a exponer durante el mes de la mujer. “Es mi primera exposición en este lugar con tanta historia dentro de la ciudad, muy agradecida con esta oportunidad que me brindaron”, sostuvo.  

Egresada del Instituto Nacional de Arte en la especialidad de escultura en el año 2000, se desempeña actualmente como docente en colegios secundarios de la ciudad. Su trabajo se centra en una práctica figurativa, en la que explora diversas técnicas, siempre poniendo énfasis en lo íntimo, la emoción y la vivencia de lo cotidiano.

La especialidad en escultura se revela en el manejo de las estructuras de dibujo y la pintura. A lo largo de su carrera, presentó diversas obras tanto en Claromecó, como así también en Tres Arroyos. Quienes deseen seguirla en la red social Instagram, pueden hacerlo a través de la cuenta @mariana.fernunson

El Museo Mulazzi invita al público y a toda la comunidad a visitar y recorrer la muestra denominada "”Ecos del alma” de la artista balcarceña Graciela Gugliotta, que estará disponible a partir del jueves 19 de febrero en la Sala I. Jaka, con entrada libre y gratuita. 

En ese marco, desde la institución informaron –a través del área de prensa municipal- que la artista expondrá pinturas relacionadas al mar, la playa y barcos pesqueros, de modo tal que dejará en claro el entorno natural que la llevó a transformar en arte todo aquello que la apasiona.

La artista plástica nació en la localidad de Balcarce, provincia de Buenos Aires, una ciudad rodeada de sierras, arroyos y campos que van desde el oscuro terrón recién arado, a los verdes brillantes que se van transformando en amarillos trigales y girasoles. 

“En 2021 me mudé a Claromecó, hermoso lugar en dónde el mar con su color y energía vibrante me atrapó y me llevó a incursionar en un viaje que me tiene día a día enamorada y agradecida por tanta belleza. Cada pintura es un momento de mi vida que se refleja en ella a través de las pinceladas, los colores, luces y sombras que imprimen mi sentir y mi pasión por el arte”, indicó Graciela Gugliotta en la previa a su visita a nuestra ciudad.

Aquellos interesados en visitar la exposición, deberán tener en cuenta que la muestra estará abierta al público hasta el día 13 de marzo en los horarios habituales del museo, de lunes a viernes de 7 a 14 horas.

Durante la noche del último jueves, se llevó a cabo un recital de música brasileña en el Museo de Bellas Artes de Tres Arroyos (Mubata) con la presentación de un quinteto de músicos tresarroyenses, que incluyó repertorio ira de la bossa nova hasta el samba, pasando por algunos temas originales de los protagonistas.

La propuesta instrumental recorrió clásicos y composiciones propias de raíz brasileña. El repertorio incluirá temas de bossa nova, sambas, baiao y choro, además de composiciones propias de Troiano y Pola, todas atravesadas por el lenguaje y el espíritu de la música brasileña. La propuesta fue mayormente instrumental, con arreglos pensados para dos guitarras, bajo y batería.

En esta oportunidad, actuaron Sergio “Chino” Troiano en guitarra, Juan Manuel Pola (guitarra) quien está radicado desde hace tiempo en Buenos Aires y formado con el reconocido maestro Tirso Lucena -referente de la guitarra brasileña en Argentina durante las décadas del ´60 y ´70-, Juan Subranni (bajo), Manuel Aguinaga (flauta y percusión) y Tomás “Toti” Angeloni (percusión y batería).  

En el lugar, los asistentes pudieron degustar una rica caipirinha para disfrutar el evento, que tuvo una entrada de $5000, un valor accesible y de carácter simbólico destinado a colaborar con los gastos del espacio cultural. Una noche en la que la comunidad pudo escuchar música en vivo y encontrarse en museo con historia dentro de la ciudad.

El repertorio propuso un recorrido por dos géneros fundamentales de la música popular de Brasil. Por un lado, la bossa nova surgida a fines de los años ´50 que se caracteriza por su clima íntimo, elegante y su diálogo con el jazz, en donde la sutileza rítmica y la armonía crearon un ambiente envolvente. Por el otro, estuvo el samba para aportar su raíz popular y festiva, con una energía rítmica que invitó al movimiento y celebró la identidad cultural brasileña.

A este viaje musical se sumaron también temas originales, donde los músicos reinterpretaron estas influencias desde una mirada personal y contemporánea.

Por Alejandro Vis

En un departamento céntrico, con una atractiva vista a la calle Colón, Cinthia Poulsen Hornum se encuentra junto a su madre María Inés Carrera. Comparten un proyecto, que ya empezó a ser una realidad: están realizando esculturas en cerámica, con la finalidad de ofrecerlas como regalos empresariales.

“Fuimos al taller de arte de Julia Sequeira”, dice Cinthia, quien se formó en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata, con la orientación pintura. En este sentido, cuenta que “yo ya tenía conocimiento de la facultad en cerámica y escultura. Sumado a la parte artística de pintura, lo visual y la composición, hicimos una gran producción de esculturas artísticas-empresariales”.

Con alegría, comenta que “Julia se quedó asombrada de lo que producimos, no le da el horno para terminar todo. Son más de 40 esculturas”. Cinthia cuenta también que “cerámica antes no me gustaba y con Julia me encanta, lo diversifiqué en escultura. Y cerré la idea con mi mamá, para regalos empresariales”.

Hace referencia a un pedido de presupuesto de Consultatio, empresa de Eduardo Constantini, creador del Malba, con quien ella trabajó como secretaria. Puntualiza, al respecto, que “mami me acompañó a diferentes entrevistas que tuve con él, cuando yo tenía poco más de veinte años. Siempre Eduardo me preguntaba ¿dónde está tu mamá?”.

Añade que está evaluando las esculturas “la directora de la Fundación Nordelta”, así como “en el Palacio de la Zarzuela, que fue en principio donde estaban dos de mis pinturas, que ellos enviaron al Palacio Real de Madrid”.

Parte de las obras se encuentran ubicadas sobre una mesa y en otros sectores del departamento. Una evidencia de que han trabajado -y creado- con entusiasmo.

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María Inés Carrera nació en San Francisco de Bellocq, fue directora de la Escuela 16 de Tres Arroyos y de la Escuela 22 de su pueblo. “Es adonde íbamos nosotros de chicos, en Bellocq. Después cursé el secundario en la EATA y en el ex Colegio Nacional, adonde me cambié para hacer talleres de pintura a la tarde, en contraturno”, explica Cinthia.

Con orgullo, recuerda que su madre “logró el mejor promedio cuando estudiaba Ciencias del Lenguaje y la Comunicación en el  Instituto Hernandarias. Cursó de grande, significó todavía un mayor esfuerzo. Además estudió Literatura y profesorado de Inglés”.

Describe el acompañamiento, la presencia. “Desde que me recibí y comencé mis talleres de arte, mami siempre fue mi primera alumna”, valora.

Cinthia sonríe, por un recuerdo. Segundos después expresa que “ella me hablaba siempre de la semiótica. Conversábamos sobre una obra y me decía ‘desde el punto de vista semiótico’. Me quedó grabado”.

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Durante varios años residieron en Claromecó, hasta que en forma reciente decidieron regresar a Tres Arroyos. En el departamento, sobresale en una de las paredes un cuadro característico de su autoría: Christian, el pescador. Un retrato de uno de los personajes populares y entrañables que ha tenido Claromecó.

Realizó su primer cuadro “a los 15 o 16 años”, pero ya dibujaba en hojas desde muy chica. La etapa realista quedó atrás, se ha dedicado posteriormente de manera especial a las mandalas.

Anticipa, al mencionar las iniciativas, que “voy a dar clases a partir de febrero en la Biblioteca Campano. Después en un club me tienen que contestar”,

Tiene en claro, por experiencia, los desafíos y dificultades que surgen para desarrollarse como artista. “Te impulsa el afecto de la gente -reflexiona- Generás una conexión emocional, es diferente a otros trabajos”.

Enumera ideas, contactos que mantuvo, posibilidades para el año próximo: “Nunca dejo de hacer cosas”, comenta.

Asocia el arte a “una catarsis del alma. La pintura es más volar y la cerámica, lo conversamos con Julia, es más tierra. Está genial, son las dos expresiones buenísimas”.

Tuvo participación en espacios interesantes, como las clases de pintura que brindaba hace más de dos décadas en el programa “Chicos Argentinos” por la Televisión Pública, en el período con Brenda Asnicar como conductora. Por citar otro ejemplo, hace poco tiempo realizó un vivo de clases de pintura para Faber Casttell.

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Disfrutó cuando pudo viajar a Europa para conocer y estudiar diferentes museos. En otras ocasiones, se quedó creando puertas adentro, el viaje en esos casos fue interior.

Piensa “hacer algunos dibujos a partir de las esculturas” y le gustaría exponer en una casa de subastas. Agradece por todos los límites que desaparecieron con Internet y las oportunidades que se multiplicaron: “me cambió la vida”.

La entrevista llega a su fin. Se abraza con su madre y señala que “es como mi asistente, tiene la parte estética muy avanzada. Estamos re contentas”.

Tres palabras que pronuncia, como cierre, reflejan su actitud ante la vida. Que -como todos bien sabemos- a veces es amable, pero otras veces no. “Voy para adelante”, concluye.

Quienes quieran realizar una consulta sobre la labor que desarrolla la artista o enviar un mensaje, pueden ingresar en Instagram a la cuenta @cinthiapoulsen.

En la Sala Jaka del Museo Mulazzi, el artista plástico y dibujante tresarroyense Gustavo Sabatini inaugurará su muestra “Retratos en bruto”. La actividad, abierta a todo público, tendrá lugar el lunes 15 de diciembre a partir de las 20 horas.

Para conocer más detalles acerca de esta propuesta, La Voz del Pueblo dialogó con el protagonista de esta historia.

En primer lugar, Sabatini contó que “los trabajos que se podrán observar en esta muestra son objetos dispares, torpes y misteriosos. Se presentarán como estructuras cuya existencia no evita ser entendida entre lo marginal, lo atávico y lo monstruoso. Conviven a través del movimiento de los símbolos que protegen o amenazan, y que, como las partículas y los virus, permanecen y transforman todo dentro y fuera de su propia realidad formando otra nueva”.

Y agregó que “el proceso de pensamiento a través de formas simples, ambiguas y desenfadas en medio del pos-hiperrealismo visual, la meritocracia y en donde nuestra condición de especie debe justificarse cada día ante la tecnología, es un acto poco más que irreverente y necesario, considero”.

Sobre las características principales de la muestra, que estará disponible para su visita durante diciembre y enero, dijo que “se compone de pinturas y dibujos realizados en forma reciente, en los cuales utilicé técnicas y soportes variados que van desde el acrílico, hasta la cinta de enmascarar. Propone acercamientos a lo bruto o lo grotesco, derivado de movimientos artísticos de la posguerra y de artistas como Jean Dubuffet y Asger Jorn, que proponían con su obra el alejamiento del academicismo y la mímesis, la sujeción a la copia o al naturalismo más omnímodo”.

Hizo referencia a que, en algunos casos, “la forma visual debe adquirir la mayor libertad posible para dejar al gesto un lugar más importante, una condición ineludiblemente humana e inimitable. La situación actual como la hiper virtualidad, situaciones cotidianas donde se debe justificar nuestra condición de especie ante la tecnología y el pos-hiperrealismo visual imperante justifica ese acto”.

Subrayó que el nombre de la exposición, “Retraros en bruto”, tiene cierta relación con “lo que se llamó en una cierta época el arte bruto que algunos artistas utilizaban a modo de manifiesto, para reivindicar o establecer una idea de que el verdadero arte no necesita canonizarse, ni precisa de formas específicas, ni imitar la realidad, ni la naturaleza, sino que un poco desapegarse de todas esas ideas. Partí de esa base”.

El hecho de poder terminar una serie de cuadros, “fue lindo porque pude soltar lo que venía creando desde antes con trabajos vinculados a lo gestual, al color y con un desapego de ideas que yo venía canonizando y que me llamaban mucho la atención por ciertos artistas sobre los cuales empecé a ver su obra porque captaron mi atención”.

Con énfasis, resaltó que “me gustó el no apegarme a una forma tan determinada y que quizá genere cierto ruido o disonancia, ya que tiene también algo de arte infantil”.

En la muestra, el público podrá apreciar entre 10 y 15 cuadros de distintos tamaños y formatos. “Usé todos los materiales que tuve a mano como carbonilla, acrílico, oleo pastel, collage, tela, cartón, papel, lápiz y cinta de enmascarar. Son obras que están hechas sobre otras, es decir, están encima de otras que a mí ya no me significaban demasiado. Las tapé para que nazca un producto nuevo”.

Definió a ese proceso creativo como “un acto de reciclado, con lo que tuve a mano decidí crear. Esa fue la idea inicial para desapegarme de ciertas formas que venía trabajando en pos de presentar algo que no había hecho antes. Más allá de que genere gusto o no, busco que a la gente le provoque algo. Es buena la interacción con el público, las obras habilitan a actos de comunicación”.

Destacó que su llegada al Museo Mulazzi se da en el marco de un contacto previo que pudo establecer con su actual coordinadora Nerina Vaini. “Tenía ganas de presentar esta muestra además de la que presenté el martes 9 en la Galería Viart (Lavalle 31) llamada “30 relatos melancólicos”. Agradecida con Neri y todo el personal del Mulazzi”, concluyó agradecido por la nota.

Gustavo Sabatini es dibujante, artista plástico y productor musical nacido en Tres Arroyos. Su formación fue moldeada por una amplia variedad de cursos y talleres tanto en Buenos Aires como en su ciudad de origen.

Participó en exposiciones colectivas, ferias de arte y diseño y se sumó a experiencias en talleres y seminarios de montaje, curaduría y producción entre el 2022 y el 2025 dictados gracias a fundaciones y gestiones culturales de artistas tresarroyenses en articulación con el municipio. 

Como ilustrador, colaboró con dos publicaciones independientes de autores locales de poesía y cuentos a través de la Editorial Caravana e incursionó en proyectos audiovisuales para músicos locales, actividad que junto a lo musical realiza desde hace más de 18 años. 

Entre el 2024 y el 2025 realizó sus primeras muestras individuales con más de treinta obras en carbonilla y lápiz. Desde hace nueve años dicta un taller de Expresión Gráfica para las infancias en la Biblioteca Popular José Ingenieros para alentar el desarrollo creativo visual. A menudo, utiliza el pseudónimo de Armenio Bonin.

La Dirección de Cultura, Educación y Derechos Humanos en forma conjunta con el Museo Mulazzi y la Escuela de Educación Secundaria 2, trabajan en la etapa final del proyecto “Rodrigo” en homenaje al destacado profesor local José Rodrigo.

El mismo, se plasma en un lienzo de grandes dimensiones -que estará suspendido desde el techo de la Sala Mayor del Museo Mulazzi hasta al ras del suelo- que refleja la figura del reconocido docente, además de incluir otros elementos significativos referidos a su trayectoria.

Cabe señalar que esta labor está a cargo de los estudiantes de 5° y 6° año de la modalidad Artes Visuales de la EES 2 con la coordinación de las docentes Eugenia Llanos, Alejandra Paiz, Laura Del Valle, Carolina Pérez y Analía Luzzi. La obra será presentada oficialmente el viernes 12 de diciembre a las 20 horas en el Museo Mulazzi, durante el acto de apertura y premiación del XVI Salón Nacional de Dibujo y Pintura José Rodrigo. La entrada es libre a todo público.

El acto contará con la presencia de autoridades municipales, el jurado que llevó a cabo el juzgamiento de las obras, los artistas seleccionados -entre ellos los ganadores y menciones especiales- y, por primera vez, estarán presentes la hija del recordado profesor María Susana Rodrigo y la nieta Martina, que harán de esta nueva edición un evento más que especial en el que, seguramente, no van a faltar las emociones.

Por esta razón, La Voz del Pueblo se acercó hasta el lugar en donde se está confeccionando la obra para conversar con quienes llevan adelante esta iniciativa.

En este sentido, y en representación de todo el grupo de la EES2, las docentes Eugenia Llanos y Carolina Pérez explicaron que “desde hace un mes, todos los días a primera hora nos hacemos presentes en el Museo para intervenir la tela con los alumnos de 5° y 6° año de la modalidad Artes Visuales. Dividimos el trabajo para operativizar mejor los tiempos. Independientemente de que sea una propuesta para un evento específico -como lo es el Salón Nacional de Dibujo y Pintura- nos enorgullece como profesoras que con los chicos podamos homenajear de esta manera a José Rodrigo”.

Y agregaron que esta propuesta “surgió por una invitación de la gestión actual del Museo Mulazzi y de la Dirección de Cultura, con el objetivo de hacer un telón gigante de 7 metros por 6 para rendirle homenaje, que además de ser un artista reconocido a nivel local, regional y nacional, fue rector de lo que hoy es la Escuela de Educación Secundaria 2, director del Mubata y referente de la cultura”.

Lo definieron como “un gran docente que tenía su escuela de arte en Tres Arroyos, una persona de referencia. Es muy lindo participar en el armado de algo así junto con los alumnos, una gran experiencia que se da en el horario de clase, pero por fuera del aula, en un lugar con muchísima historia”.

Contaron que los alumnos trabajaron previamente en el aula reuniendo información para realizar una investigación, y a partir de la utilización de distintas fotografías, “se armó un boceto que fue cambiando hasta llegar a lo que actualmente está plasmado en la tela y que va tomando forma. La idea es darle los últimos retoques el 9 de diciembre. Es un proyecto conjunto que va a dar un gran resultado”.

Al ser consultadas sobre cómo fue el proceso de armado antes de arrancar a intervenir con pintura la imponente tela, señalaron que “primero se hizo el boceto, luego se evaluó qué colores utilizar y después se cuadriculó la imagen, para trasladarla al lienzo. No es lo mismo pintar sobre un muro que sobre una tela grande y sin tensión, es un desafío porque hay que pintar en el piso, ya que necesitas tomar dimensión del trabajo y ver las referencias”.

Recordaron que José Rodrigo fue quien inauguró la tradición de pintar murales, “a punto tal que en el ex Colegio Nacional hay un montón hechos en su interior, una modalidad que luego continuó afuera. Con esta propuesta, entendimos que se podía dar un salto de calidad. Se encaró el proyecto con mucha ilusión, compromiso y responsabilidad”.

Valoraron la decisión tomada de hacerlo en el Museo Mulazzi, “nosotras nos trasladamos con los chicos a tener la clase acá. Eso nos permite ir viendo desde arriba cómo va quedando, tenemos buena luz, se juntan quinto y sexto porque trabajan de manera conjunta y nos permite tener la tela extendida. Es importante destacar que el trabajo es realizado por los estudiantes”, sostuvieron.

Sobre los materiales que utilizan para la confección de la obra, dijeron que “es pintura al agua. El boceto cuenta la faceta de José Rodrigo como docente de cerámica y de pintura, ya que fue alumno de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Decidimos incluir una imagen más grande de él, sumar el Colegio Nacional y flores (claveles) pensando en que él y su familia vienen de una tradición de floristas. El clavel es la flor nacional de España, hace referencia a sus orígenes. Cada cosa tiene su lugar para contar su historia”.

La labor se hizo por cuadrícula con un boceto a escala, “que luego medimos y cuadriculamos la tela para empezar a dibujar por fragmentos y no perder la dimensión. Trabajamos con una cuadrícula tradicional por la cantidad de manos y la rotación de grupos, va quedando muy bien. No hubo ni un conflicto, se trabajó en equipo y en total armonía”.

Durante la nota, remarcaron que, durante el proceso de investigación, “los alumnos leyeron notas de archivo de este diario que profundizan lo que José Rodrigo pensaba. Fue como escuchar su voz, eso nos permitió revalorar el papel tan importante que él tuvo dentro del arte en Tres Arroyos. El objetivo es transmitirles ese legado a los jóvenes”.

Con alegría, indicaron que tareas de estas características “dejan un montón de cosas positivas. La labor de equipo es importantísima y el de producción también. Agradecemos a quienes trabajan en el Museo Mulazzi por la paciencia que nos tienen (risas). Estar pintando nos permitió observar montajes de muestras, circulación de gente, los talleres y las actividades que acá se dictan. Nos nutre desde otro lugar que no fue pensado y que es clave en cualquier proyecto de este estilo”.

Hicieron referencia a que el arte, en Argentina, “funciona en grupo a partir de proyectos, más allá de las particularidades. Al trabajar con un fin común, todos generamos y pensamos críticas constructivas. Cuando pintas un mural es distinto, acá estás encima de la obra, de la pintura y eso está buenísimo. Los chicos se complementaron bárbaro”.

La idea que tienen es que, el 9 de diciembre, puedan darle los últimos detalles y retoques finales. “Los estudiantes fueron preparando los colores, trabajamos sobre los colores primarios, más el blanco y negro. Aquí se ven todas las teorías que van desde 4° año en adelante en lo que tiene que ver con el lenguaje visual y con la producción de imagen y sentido, aplicada a un trabajo en concreto como lo es esta obra artística”, argumentaron.

Antes del cierre, tanto Eugenia Llanos como Carolina Pérez, finalizaron su testimonio destacando el valor y el rol que tiene la modalidad Artes Visuales en la EES 2. “Es una institución educativa que tiene presente esta impronta de vínculos con espacios históricos de la ciudad a partir de proyectos educativos que son útiles para la comunidad. Los esperamos el viernes 12”, finalizaron agradecidas por la nota.

La Fundación Bolsa de Comercio de Bahía Blanca llevó a cabo la 40º edición de su Salón Anual de Arte, encuentro que reunió a pintores y escultores de todo el país.

La convocatoria registró este año un número récord de obras presentadas, ya que se recibieron 344 pinturas y 87 esculturas, las cifras más altas registradas hasta el momento. Además, a lo largo de las cuarenta ediciones, el salón reunió 5140 pinturas y 1480 esculturas, lo que hace que se consolide como uno de los eventos culturales más relevantes de la región.

Cabe señalar que la muestra permaneció abierta al público hasta el viernes 28 de noviembre -de lunes a viernes de 17 a 20 en avenida Colón 8-, espacio en el cual la obra “Interior” del artista plástico tresarroyense Maximiliano Soriano se hizo presente siendo uno de los tantos trabajos que quedaron seleccionados entre los más destacados.

En dialogó con La Voz del Pueblo, el protagonista de esta historia explicó con alegría por el reconocimiento obtenido que “hay varios salones bahienses y en la provincia que exponen obras, uno va buscando por internet datos e información de distintos certámenes en los que es más conveniente participar. Vi que estaba esta oportunidad, y mandé”.

Y agregó que “este salón en Bahía Blanca lo tenía visto de años anteriores cuando no tenía obra para participar, aunque ahora lo cierto es que no quise perdérmelo de nuevo. No soy mucho de formar parte de salones, pero busco hacerlo más seguido. Por suerte mandé y quedé seleccionado entre 40 y 50 obras con artistas de todo el país. Se trata de un importante salón nacional que es reconocido en toda la Argentina”.

Al ser consultado por las características de la obra que allí presentó, dijo que “es un cuadro que me llevó bastante tiempo pintarlo. Es un ciervo que está en el centro de una escena parado en una escalera, como si fuera una habitación en ruinas en la cual crecieron las plantas, con un cuadro de fondo. Un espacio en el cual la naturaleza, y la vegetación, son quienes se apoderan de ese lugar”.

Reconoció que siempre le interesó profundizar la pintura del Siglo XIX, sobre todo con el romanticismo y el simbolismo “porque hay toda una corriente no solamente dentro de la pintura sino de la arquitectura con el pensamiento de esa época con el tema de las ruinas, en relación con el tiempo y la filosofía. Siempre me llamó la atención la ruina y la naturaleza como se apoderan del factor humano”.

El cuadro fue realizado con acrílico, una obra que le llevó un tiempo considerable por su nivel de detalle. “A veces uno pinta varios cuadros a la vez, los dejas y retomas. Hay algo que, cuando pintas y dibujas, hace que el cerebro se vaya acostumbrando a lo que estás haciendo y dejas de ver algunas cuestiones”, sostuvo.

Contó que tiene una serie de referencias que “me gustan mucho por el realismo, es decir, que la imagen tenga cierto realismo con una representación mimética con la realidad a partir de fotos y demás, que luego mezclo para tomar de referencia. Me cuesta hacer esa fusión entre imágenes, pero con esta obra lo pude lograr”.

Describió cómo fue el proceso previo al certamen. Explicó que “la obra en si uno la manda para ser juzgada, siempre en los salones hay una selección digital en donde seleccionan un buen número de artistas para que el jurado los premie. Es muy interesante que el público haya podido observar todas las obras y lograr un reconocimiento entre tantos artistas, una manera buena de cerrar el 2025”.

De cara a lo que vendrá, adelantó que quedó seleccionado también para participar del XVI Salón Nacional de Dibujo y Pintura Profesor José Rodrigo.

Por esta razón, indicó que “esa obra que presentaré en el Museo Mulazzi es más oscura de la serie que vengo haciendo, tiene que ver con los cuentos infantiles y la ilustración, me metí un poco en ese mundo. Refleja el simbolismo del Siglo XIX, me gusta manejar detalles, representaciones de elementos y de cosas que uno va mirando y se va preguntando qué pasa acá o porque está eso ahí, ese cuadro está bastante cargado de eso. Lo interesante del arte es que cada persona lo interpreta a su manera”.

En líneas generales, señaló que la obra “transmite ese misterio. Es una representación de un autorretrato, no sé si es un poco que responde al ego (risas). Siempre necesito una foto de referencia, y la persona más inmediata que está, soy yo. Más que nada para las cosas medias oscuras o raras, prefiero ponerme yo y no a otra persona, es un autorretrato mío que tiene una víbora que está enroscándome. Cada detalle es una manera de simbolizar algo, se llama ´Simbiosis´ esa obra”.

Mencionó que está pintado “al óleo, algo más tradicional. Uno va siempre tratando de experimentar con distintos materiales, hay que tener en cuenta que el acrílico es un material más moderno que el óleo. El óleo en vivo, la piel del cuadro, la textura y el brillo, se nota con las veladuras. El óleo tiene una cosa que a mi me encanta”.

Antes del cierre, y agradecido por la nota, Maximiliano Soriano aseguró que en 2026 participará nuevamente del Salón Mariquita Sand que se desarrollará en el contexto de la Fiesta Provincial del Trigo.

“En 2026 trataré de participar en todo lo que pueda, es una manera de estar activo y de llevar obras a otros lugares. En Tres Arroyos expuse bastante, quiero participar también en otras localidades. Es positivo ir sumando nuevas experiencias porque siempre se aprende algo nuevo, apoyando el arte y la cultura local por supuesto desde el lado que me toca”, concluyó.  

Ayer por la tarde noche en el Museo de Bellas Artes de Tres Arroyos (MUBATA), y en el marco del Día del Artista Plástico, se llevó a cabo con gran participación de público la inauguración de la muestra denominada “Talleres creativos, el arte de sentir”.

La exposición reúne más de 160 trabajos realizados durante el 2025 por 17 niños (alumnos) de 6 a 11 años de San Francisco de Bellocq que asisten al taller que dicta en su casa la artista y profesora por vocación Diana Roppel.

La Voz del Pueblo participó de esta actividad, oportunidad que aprovechó para dialogar justamente con Diana Roppel, quien es reconocida por su incansable trabajo artístico y comunitario en la comunidad de la vecina localidad y también por dictar en su casa un taller que se convirtió en una luz creativa tanto para niños como para adultos.

En primer lugar, y agradecida por el contacto establecido, explicó que “la realidad es que el arte, hoy, ocupa toda mi casa. Soy profesora por vocación, muy contenta por el resultado que alcanzaron los chicos”.

Y agregó que “esta es la muestra anual que refleja el proceso creativo de ellos, más que grandes obras lo que se encontrará la gente acá será el proceso creativo de crecimiento del chico durante un año y el trabajo final, que es el cuadro expuesto. El objetivo es acompañar el proceso creativo de cada chico con herramientas arte terapéuticas, eso es lo que se puede observar”.

Se definió como “artista independiente” y contó que nació en Orense, aunque hace 15 años que vive en San Francisco de Bellocq. Quienes lo deseen, en Instagram la pueden seguir en @pickyland_arte.

Remarcó que “siempre me pedían en el pueblo que de talleres, hice cursos de diferentes temáticas, pero sobre todo en el arte terapia descubrí que era lo que yo hacía conmigo misma en mi propio proceso creativo. Ahí fue cuando decidí abrirme a acompañar a otras personas -en este caso chicos- pero también doy clases a adultos y adultos mayores”.

El taller que ofrece se basa en una mirada arte terapéutica, es decir, en el sentir más que en la técnica propiamente dicha, explorando disciplinas como la pintura, la escultura o hasta incluso el reciclado. En esta oportunidad, puso especial énfasis en la sustentabilidad utilizando materiales reciclados para fomentar la creatividad accesible y consciente.

Sobre ello, hizo referencia a que “lo que pretendo es que todos puedan acceder al arte, que ningún chico se quede afuera. Por eso trabajamos con lo que tenemos y con los materiales que encontramos. El arte terapia tiene diferentes herramientas, que puede ser cualquier tipo de técnica desde acuarela, hasta costura, teatro, música, baile u otra rama del arte”.

Celebró que son más de 160 trabajos los que estarán expuestos, “es un gran número. La consigna de este año es ´el arte es de quien observa´, nosotros nos observamos a nosotros mismos para hacerlo y quien lo observa puede sentir lo que nosotros quizás sentimos u otra cosa. Es nuestra segunda vez en el MUBATA, en 2024 vinimos con 14 alumnos. Los resultados que tuvimos son excelentes”, sostuvo con ilusión.

Al ser consultada por las características que presentan los trabajos, dijo que “hay de todo. Acuarelas, pinturas, papel maché, porcelana, esculturas en alambre, madera y hasta esculturas con huesos que los chicos recolectaron en una excursión que hicimos. Siempre les digo que está bien cualquier cosa que quieran hacer, indagar o experimentar”.

Además, Diana Roppel agradeció la colaboración del coordinador Bruno Defelippe y del municipio, que facilitó el traslado en combi hacia Tres Arroyos para poder ser parte de esta inauguración.

Cada 3 de noviembre, en Argentina, se celebra el Día del Artista Plástico en memoria de Prilidiano Pueyrredón, figura clave en la historia del arte nacional. La fecha coincide con el aniversario de su fallecimiento en 1870, y aunque no existe una resolución oficial que lo instituya como efeméride, su legado es ampliamente reconocido por instituciones culturales y educativas de todo el país.

Cabe recordar que nació en Buenos Aires el 24 de enero de 1823, fue pintor, arquitecto e ingeniero. Se destacó por introducir en la pintura argentina temas gauchescos, escenas de la vida rural y representaciones urbanas del arrabal y la vida ciudadana.

El Museo Mulazzi, dependiente de la Dirección de Cultura, Educación y Derechos Humanos del municipio, fue sede del concierto “Tango Jalousie” que brindó por primera vez en nuestra ciudad el dúo Sonus conformado por las jóvenes acordeonistas clásicas Romena Lengvinaité (dinamarquesa) y la lituana Amalie Ravnsbaek.

El show, que se extendió por más de una hora, tuvo lugar ayer por la noche en la Sala Mayor del mencionado espacio con gran participación de la comunidad.

Se trató de un concierto diferente y auténtico, en donde el dúo desplegó todo su amplio repertorio con una fusión del tango danés con perspectiva argentina.

Las jóvenes artistas exploraron la conexión entre la música danesa y argentina a través de tres generaciones de compositores. Presentaron clásicos de Jacob Gade y Astor Piazzolla, junto a la nueva obra de Edgard Moya Godoy. Juntas, esas piezas crearon un encuentro único entre la elegancia nórdica y la pasión sudamericana.

La propuesta, en palabras de las artistas, tuvo como objetivo principal “llevar gotas de la cultura danesa a una perspectiva argentina. Esto lo logramos a través de nuestra pasión que es el tango, ya que al tomar los elementos de la música de Astor Piazolla y adaptarlos a un dúo de acordeones, logramos con éxito crear una amplia gama de sentimientos y pasiones”.

Destacaron la figura de Astor Piazzolla como bandoneonista, director de orquesta, arreglista y compositor argentino considerado uno de los músicos más importantes del Siglo XX​​ y uno de los mayores exponentes de tango en todo el mundo.

Lo cierto es que este show representó, sin dudas, una obra de tango moderno que fue muy reconocida y aplaudida por todos los presentes. De cara a lo que viene, las jóvenes continuarán con su gira para compartir su experiencia cultural con las comunidades danesas de Necochea, Buenos Aires y Córdoba durante los próximos días.

Este jueves 23 de octubre, a las 19 horas, se llevará a cabo la inauguración de la muestra de Eugenio Errea denominada “Olas y acero”. Esta actividad tendrá lugar en Viart, espacio de arte ubicado en Lavalle 31.

Eugenio Errea es un artista local, que compartirá de esta manera parte de sus trabajos con el público, en un lugar donde habitualmente se desarrollan exposiciones muy interesantes y diversas.

El Museo Mulazzi, dependiente de la Dirección de Cultura, Educación y Derechos Humanos del municipio, invita a la comunidad a participar del concierto denominado “Tango Jalousie” que brindará por primera vez en nuestra ciudad el dúo Sonus conformado por las jóvenes acordeonistas clásicas Amalie Ravnsbaek (danesa de 28 años de edad) y Romena Lengvinaité (Lituana de 26).

El show se llevará a cabo el viernes 24 de octubre a las 20 horas en la Sala Mayor del mencionado espacio, con entrada libre.

Por esta razón, se invita a los vecinos a disfrutar de este concierto diferente y auténtico, en donde el dúo Sonus desplegará todo su amplio repertorio con una fusión del tango pero reversionado, es decir, con notas musicales danesas.

En ese marco, las artistas explorarán la conexión entre la música danesa y argentina a través de tres generaciones de compositores. El programa presentará clásicos de Jacob Gade y Astor Piazzolla, junto a una nueva obra de Edgard Moya Godoy. Juntas, estas piezas crearán un encuentro único entre la elegancia nórdica y la pasión sudamericana.

Para conocer más detalles acerca de esta propuesta, La Voz del Pueblo tomó contacto telefónico con la dinamarquesa Amalie Ravnsbaek, quien en primer lugar adelantó que la iniciativa “tiene como objetivo llevar gotas de la cultura danesa a una perspectiva argentina. Esto lo logramos a través de nuestra pasión que es el tango, ya que al tomar los elementos de la música de Astor Piazolla y adaptarlos a un dúo de acordeones, hemos logrado crear una amplia gama de sentimientos y pasiones”.

Y agregó que “con Romena nos conocimos  en la Real Academia Danesa de Música de Copenhague, aunque la realidad es que tocamos música desde niñas”.

Además de hacer y tocar música, la joven dio a conocer que también enseñan y que el dúo tiene muchos proyectos por delante. Explicó que “estudiamos nuestros masters en acordeón clásico, luego decidimos formar el dúo Sonus. La realidad es que siempre nos apasionó el tango de Astor Piazolla, por eso emprendimos este proyecto juntas para celebrar también el centenario de la ópera ´Tango Jalousie´, del compositor danés Jacob Gade. La idea principal es poder unir las culturas con nuestro amigo argentino Edgard Moya Godoy, quien vive en Dinamarca pero es de Córdoba”.

Celebró que el estreno mundial del dúo que compone junto a Romena sea en Tres Arroyos, concierto que luego llegará a la ciudad de Necochea.

Definió al show que se viene como “una obra de tango pero moderno, no como el tango tradicional que los argentinos conocen. Decidimos que la mejor manera de compartir esta experiencia cultural era con las comunidades danesas de Tres Arroyos, Necochea, Buenos Aires y Córdoba”.

Valoró la figura de Astor Piazzolla como bandoneonista, director de orquesta, arreglista y compositor argentino considerado uno de los músicos más importantes del Siglo XX​​ y uno de los mayores exponentes de tango en todo el mundo.​

“Cuando se habla de tango en Europa, solo pensamos en Astor Piazzolla. Entendimos que si Piazzolla está presente en el concierto que damos, seguro mucha gente se acerque a disfrutar de nuestra música. Es muy agradable para el oyente, contiene tantos armónicos magníficos que lo hacen muy atractivo para la audiencia. Invitamos a toda la comunidad de Tres Arroyos a participar de este concierto en el Museo Mulazzi, los esperamos”, señaló con ilusión Amalie Ravnsbaek.

Al ser consultada por las expectativas de cara a lo que será la presentación, subrayó que “estamos realmente muy emocionadas porque vamos a ver a las comunidades danesas de la zona. Esperamos compartir algo de la historia de la cultura danesa, así como una forma más moderna y clásica de presentar a Astor Piazzolla”.

Hizo referencia a que vienen ensayando bastante en la previa a su arribo a la ciudad y dijo que “hemos preparado nuestro programa durante los últimos dos años y ahora estamos practicando para mantener nuestra fuerza física. El plan para el futuro es seguir trabajando con este tipo de música en relación a la colaboración entre Dinamarca y Argentina. Por ahora, el próximo proyecto que tenemos en mentes apunta a poder formalizar una nueva pieza de tango con dos acordeones y una orquesta.

Antes del cierre, y agradecida por el contacto establecido, Amalie Ravnsbaek remarcó que “con Romena tocamos los mismos instrumentos, pero como ella es de Europa del este tiene las teclas del piano y yo los botones. Tiene el mismo sonido y sistema interior, pero su sistema de botones es opuesto al mío”.

El Museo Mulazzi fue sede de la apertura de la muestra “No hay respuesta, sólo signos” de la artista visual de Coronel Suárez Silvia Stork (65). La actividad se llevó a cabo el último viernes por la tarde noche en la Sala Mayor del mencionado espacio con buen marco de público.

La exposición, que estará disponible para su visita hasta el 3 de noviembre, fue presentada por primera vez en la ciudad. En la exposición se pueden apreciar pinturas y esculturas con materiales de construcción y de desecho, junto a obras tridimensionales con técnica de assemblage.

Sus obras proponen un tránsito en flujo constante en el vaivén entre lo orgánico y lo estructural, entre la fragilidad y la resistencia. Se trata de un recorrido que no pretende explicar, sino invitar a detenerse sin necesidad de comprender. Escuchar lo que todavía vibra, ver lo que persiste.

Un espacio donde mirar también es mirarse, un tiempo suspendido para escuchar. La obra gira en torno a la fragilidad y vulnerabilidad, es una búsqueda de raíz antropológico que bucea en el humus del ser humano. A través de ella, la artista propone un diálogo entre los materiales y la existencia misma porque el cuerpo guarda lo que el lenguaje no alcanza a nombrar, lo que aún no comprendemos.

Lo cierto es que al final, todo es posible: mirar y escuchar al propio ser, abrazarlo, liberarlo, para que alcance la plenitud a la que ha sido llamado.

Silvia Stork es una artista visual que trabaja la técnica del dibujo, la pintura, el grabado, el collage, el assemblage y la escultura. Realizó el profesorado de Dibujo y Pintura en la Academia Central Mendía y se formó en distintos talleres y seminarios con Cristina Elorriaga, Verónica Kenig, Marco Otero, Francés StanField, Valeria Di Santo, Daniel Fitte, Luciana Rondolini y participó además del taller de escritura conceptual con Kekena Corvalan.

Hizo la clínica de obra con el profesor Daniel Fitte, la artista visual Luciana Rondolini, el artista N. Souto y Pablo Sinaí. Asimismo, mostró su trabajo de forma individual en Isidoro Espacio de Arte. Expuso sus trabajos en el Museo de Arte Moderno y de Bellas Artes de Bahía Blanca, en la Sociedad Rural de Coronel Suárez, en el Centro Cultural de Sierra de la Ventana, en la Dirección de Cultura y en la Red de Galerías Bonaerenses.

Internacionalmente, lo hizo en el Womens Art Association of Canadá (Toronto).Su obra fue seleccionada en el Salón Brandenberg, Mini Print Internacional Pergamino, “Amalgama” volumen 2 y 3.

El Museo Mulazzi invita a la comunidad a participar de la apertura de la muestra “No hay respuesta, sólo signos” de la artista visual de Coronel Suárez Silvia Stork (65). La actividad se desarrollará mañana viernes 17 de octubre a las 19.30 horas en la Sala Mayor del mencionado espacio, con entrada libre.

La exposición, que estará disponible para su visita hasta el 3 de noviembre y será presentada por primera vez en la ciudad, hará hincapié en la exposición de pinturas y esculturas con materiales de construcción y de desecho, junto a obras tridimensionales con técnica de assemblage.

Para conocer más detalles sobre esta actividad, La Voz del Pueblo contactó telefónicamente a la protagonista de esta historia.

En ese sentido, Silvia Stork señaló en primer lugar que “mis obras proponen un tránsito por esas capas que se suceden en flujo constante en el vaivén entre lo orgánico y lo estructural, entre la fragilidad y la resistencia. El recorrido que realizará el público por la muestra no pretende explicar, sino invitar a detenerse sin necesidad de comprender”.

Tras agradecer públicamente al Museo Mulazzi por abrirle sus puertas, agregó que esta muestra “ya la expuse en Isidoro Espacio de Arte, en Coronel Suárez. Es un cuerpo de obra que vengo trabajando desde hace dos años con un concepto claro que refiere a un arte contemporáneo que busca expresar algunas cuestiones que nos atraviesan en la sociedad en la que vivimos”.

Destacó el hecho de poder utilizar el arte “como un vehículo de expresión y de encuentro con el otro para tomarnos un tiempo para reflexionar sobre obras que responden a pensamientos, emociones y comportamientos con una mirada interior”.

Recordó con alegría que “siempre dibujé y pinté, aunque luego comencé a trabajar en la técnica del collage, lo que me llevó a conocer otro lugar y canal de expresión porque comencé a buscar otros materiales. Mi obra representa el consumo porque el concepto está referido a la búsqueda de la verdad”.

Al ser consultada por el nombre de la muestra, explicó que “surgió porque hace años que hago clínica para mi obra en lo que tiene que ver con el concepto que trabajo, es decir, cómo el cuerpo oculta muchas cosas y después aparecen de una forma que no nos hace bien. Eso es lo que intento expresar en las obras”.

Destacó que la exposición contendrá algunos “escritos” en relación a que “en la naturaleza y en nuestro ser hay varios signos que nos indican cómo proceder y cómo construir nuestra vida. Hay dibujos que refieren a una arquitectura de la existencia, por eso es que la muestra tendrá una propuesta de introspección”.

Posteriormente, la artista remarcó que fue en 2018 cuando empezó a dedicarse “con más fuerza y sentido al arte contemporáneo. Estamos acostumbrados a ver un arte figurativo o decorativo, cosa que está bien. Pese a ello, considero que las expresiones son bienvenidas y hay un arte para cada una, está bueno abrir la mirada y empezar a observar el arte conceptual con otros materiales”.

Antes del cierre, indicó que durante la presentación, “estará disponible un cuaderno para firmar y comentar las impresiones del público. Los espero en el Museo Mulazzi para charlar sobre el arte en general”.

Silvia Stork es una artista visual que trabaja la técnica del dibujo, la pintura, el grabado, el collage, el assemblage y la escultura. Realizó el profesorado de Dibujo y Pintura en la Academia Central Mendía y se formó en distintos talleres y seminarios con Cristina Elorriaga, Verónica Kenig, Marco Otero, Francés StanField, Valeria Di Santo, Daniel Fitte, Luciana Rondolini y participó además del taller de escritura conceptual con Kekena Corvalan.

Hizo la clínica de obra con el profesor Daniel Fitte, la artista visual Luciana Rondolini, el artista N. Souto y Pablo Sinaí. Asimismo, mostró su trabajo de forma individual en Isidoro Espacio de Arte. Expuso sus trabajos en el Museo de Arte Moderno y de Bellas Artes de Bahía Blanca, en la Sociedad Rural de Coronel Suárez, en el Centro Cultural de Sierra de la Ventana, en la Dirección de Cultura y en la Red de Galerías Bonaerenses.

Internacionalmente, lo hizo en el Womens Art Association of Canadá (Toronto).Su obra fue seleccionada en el Salón Brandenberg, Mini Print Internacional Pergamino, “Amalgama” volumen 2 y 3.

Este lunes se llevó a cabo la entrega de premios del concurso de Eco Murales, propuesta organizada por la Subsecretaría de Gestión Ambiental.

El encuentro, que se realizó en el Museo Mulazzi, contó con la participación de Ignacio Elizari, integrante de la Subsecretaría de Gestión Ambiental y referente de esta iniciativa; Valeria Guido, coordinadora de CRESTA; y Eduardo Eiffer, en representación de la Cooperativa Obrera.

El primer premio fue otorgado a cuatro alumnas de 3° B del Colegio Holandés, que realizaron el boceto con la profesora Magalí Beltrame.

El segundo lugar fue para cuatro estudiantes de 1° A del Colegio Nuestra Señora de Luján, con la profesora Ema Pérez; el tercero para un grupo de 1ro. 1ra de la EATA, con la profesora Luciana Di Croce; mientras que recibieron una mención especial alumos de la Escuela Secundaria 11 de San Francisco de Bellocq, cuya profesora es Josefina Llanos (participó en el Museo Mulazzi, junto a los alumnos, la directora Romina Rico).

El primer y segundo premio consistió en un equipo de sonido, libros de la Fundación Azara, pinturas de EQ Artística y una orden de compras de la Cooperativa Obrera. El tercero y la mención especial incluyó libros de la Fundación Azara y pinturas de la mencionada empresa, ubicada en el Parque Industrial.

El trabajo ganador será pintado en el estacionamiento de la sucursal de la Cooperativa Obrera ubicada en avenida Moreno 745.

En tanto, el boceto que obtuvo el segundo premio va a ser pintado en un banco del predio de la Fiesta del Trigo.

El concurso se concretó por quinto año consecutivo y en esta oportunidad el tema central fue la gestión de residuos.  Los trabajos están expuestos en la sala mayor del Museo Mulazzi, cuyo equipo de trabajo brindó una colaboración que fue destacada por Ignacio Elizari.

En el Centro Cultural La Estación, que forma parte de la Dirección de Cultura, Educación y Derechos Humanos del municipio, tuvo lugar el sábado 11 por la noche la inauguración de la muestra homenaje denominada “Mirta: las manos de los ángeles”, en reconocimiento a la trayectoria y el legado que dejó la artista local Mirta Rey.

La exposición que estará disponible para su visita hasta el 11 de noviembre con entrada libre, propone un recorrido por la producción artística de Mirta Rey como una creadora profundamente comprometida con la sensibilidad, el color y la expresión del alma a través de la pintura. Su tarea, caracterizada por la búsqueda constante de la belleza en lo cotidiano, dejó una marca imborrable en el ámbito cultural de Tres Arroyos.

Para referirse a este tema, La Voz del Pueblo tomó contacto telefónico con quien actualmente coordina el CCE. Se trata de Tomás Paniga, quien organizó la producción de este homenaje a través de la recolección de distintos materiales, al tiempo que indagó en la vida y obra de una artista con todas las letras.

En primer lugar, explicó cómo surgió la idea de organizar esta propuesta. Con alegría, expresó que “estoy muy contento porque luego de un gran trabajo mancomunado que llevó un año, pudimos inaugurar esta gran muestra con una importante cantidad de material”.

Agregó que la iniciativa nació en 2024, a partir de un taller que hizo en el CCE de xilografía con Romina Saint Denis Lara, “donde trabajamos con referentes culturales locales. Automáticamente, se me vino a la cabeza Mirta Rey”.

Pese a que nunca tuvo contacto con ella, valoró que “siempre me pareció una persona que imponía su presencia con su look, su manera de andar por la vida y por lo que representaba como artista. La coordinación del CCE te demanda eso, generar actividades y exposiciones todo el tiempo, por eso decidí avanzar con la de Mirta. Cuando se lo propuse a Martín Rodríguez Blanco me dijo que si enseguida. Agradecido con él, como así también con todos los que forman parte de la Dirección de Cultura”.

Con énfasis, subrayó que “no se trata de una muestra más porque tiene una carga emocional enorme. Hay muestras que se pueden resolver en una semana o quince días, pero esta llevó otro tipo de preparación y de planificación”.

Mencionó las fuentes que consultó para concretar el armado de la muestra. “La búsqueda arrancó por información de noticias y lo publicado en redes sociales, luego contacté a su familia y amigos. Me comuniqué con Julia Sequeira que integra un grupo de artistas local, quien enseguida se puso a disposición para enviarme material junto con Susana Carrera. También hicieron lo propio Hugo Costanzo y Agustina Ortíz, Ana Conti fue fundamental porque me prestó telas y otros objetos que Mirta pintaba para sus charlas del ciclo ´Mujeres con Mayúscula´”, sostuvo.

Explicó que Andrés Mazzitelli “fue su profesor de canto” y que Adriana Gaitán también colaboró. El contacto más importante “fue con su familia, pude comunicarme con sus hijos, quienes no dudaron un segundo en abrirme las puertas de su casa para conseguir material inédito. Lo cierto es que falleció muy joven, en 2019. Dejó una marca importante en el arte local, por eso quise valorizar su labor”.

Destacó que en el archivo del diario La Voz del Pueblo pudo encontrar material valioso y de utilidad, “lo que me sorprendió para bien es que todos, de algún u otro modo, se enteraron de la apertura de la muestra y me escribieron rápido para ponerse a disposición. Karina Mansilla, que era su amiga, pintó en vivo y Mariela Schroh cantó porque compartió coro con Mirta, ellas dos se encargaron de la parte más dinámica de la muestra. Fue maravilloso y emocionante”.

Celebró el objetivo central que tiene la Dirección de Cultura, el cual apunta a “acompañar y visibilizar a nuestros artistas. Es importante entender quiénes fueron los que nos antecedieron en el arte y en la cultura local para poder saber dónde estamos parados. Dejó su huella, Mirta Rey fue una artista completa porque ella cantaba, pintaba, dibujaba y decoraba. Está bueno que las nuevas generaciones conozcan lo que hizo”.

En la apertura de la muestra se vivió un momento sumamente especial cargado de emociones. “Vino su hijo de Mar del Plata, sus hermanas, su nieto y su sobrino, la emoción estuvo a flor de piel con sus amigos de la rama del arte. El hijo hacía muchos años que no veía cosas de su madre, todo es emotivo desde el arte. Hubo muy buena energía, fue un sábado especial. Contento por lo que pudimos lograr, muchas personas trabajamos en forma colectiva. Eso demuestra que Mirta fue una gran artista, con todas las letras”, reflexionó.

Antes del cierre, Tomás Paniga agradeció a quienes colaboraron para poder hacer realidad esta interesante muestra. “Invito a la comunidad a que pueda visitarla en el Centro Cultural La Estación hasta el 11 de noviembre. Los esperamos”, concluyó agradecido por el contacto y satisfecho por el logro alcanzado.