El talentoso guitarrista Leonardo Amuedo, ganador de cinco premios Grammy y el reconocido bajista Daniel Maza   ofrecerán un espectáculo que fusiona jazz, música rioplatense y brasileña. La cita será este jueves a las 20 horas en el Sonoro Club. 

La ciudad de Tres Arroyos se prepara para recibir una propuesta artística de nivel internacional. Este jueves, a partir de las 20 horas, el escenario del Sonoro Club (ubicado en Saavedra 512) albergará una presentación inmejorable con la llegada de Leonardo Amuedo y Daniel Maza, dos referentes indiscutidos de la música sudamericana.

Ambos artistas, nacidos en Uruguay, unirán sus talentos para ofrecer al público local un espectáculo íntimo y de gran jerarquía que recorrerá diversas sonoridades, fusionando de manera magistral el jazz con la música de nuestras orillas y los ritmos brasileños.

Leonardo Amuedo es un guitarrista de enorme prestigio global, reconocido por su virtuosismo y su profunda expresividad. A lo largo de su carrera, y respaldado por cinco premios Grammy, ha trabajado junto a grandes figuras de su país como Hugo y Osvaldo Fattoruso, Fernando Cabrera y Rubén Rada. Además, su talento le ha permitido grabar y compartir escenarios con leyendas mundiales de la talla de Ivan Lins, Caetano Veloso, Alejandro Sanz, Stevie Wonder y Barbra Streisand.

Por su parte, Daniel Maza ostenta una destacada trayectoria que lo ha posicionado como un bajista, compositor y cantante indispensable en la escena musical de la región. El extraordinario instrumentista compartió recordadas "jam sessions" con gigantes como Ray Barreto, Simon Phillips, Djavan y Steve Lukather (Toto).

A lo largo de sus giras, Maza ha acompañado a Willie Chirino y a los percusionistas cubanos Changuito y Tata Güines. Asimismo, fue convocado por la "Reina de la Salsa", Celia Cruz, para realizar múltiples presentaciones en Sudamérica, Europa y Estados Unidos. A nivel internacional, también integró la banda del guitarrista Larry Carlton durante su gira latinoamericana.

En el ámbito nacional, Maza dejó su huella integrando las bandas de Luis Salinas, Horacio Fontova y el Edelmiro Molinari Trío; grabó junto a Valeria Lynch y participó activamente en los dos últimos e históricos discos de Mercedes Sosa, "Cantora 1" y "Cantora 2". Sus colaboraciones en estudio incluyen también trabajos con Jairo, Kevin Johansen, Julia Zenko y Raúl Carnota, sumando además ocho producciones discográficas como solista.

La confluencia de estas dos enormes figuras promete convertir la noche del jueves en Sonoro Club en una velada imperdible para los amantes del jazz y la buena música.

Por Benicio Britez Arévalo

Hay vidas en las que la música no llega como una elección posterior, sino como un pulso inevitable que late desde la infancia. En el caso de Naty Lara, todo comenzó en el jardín de infantes, marcada por el sonido insistente de un triángulo metálico y una vocación madrugadora. "Yo era la primera: decía 'es la hora de mú-' y ya estaba con el triangulito ahí en la salita", recuerda.

Aquel entusiasmo infantil encontró su lugar definitivo gracias a una figura fundamental: la profesora María Ester Rifé de Olesen. Ella guió sus primeros pasos desde los 4 hasta los 13 años en el Instituto Nuestra Señora de Luján. A sus 10, la docente la llamó: "Vení para acá, chiquita. Vos tenés voz para tango, ¿no querés que te enseñe uno?". Así aprendió Melodía de arrabal, la misma pieza que, 32 años después, interpretaría a los 42 ante las cámaras de la televisión nacional. "Yo la amo, le digo que es mi mentora y ella me dice que soy su ídola. Me marcó mucho, es una persona súper importante en mi vida musical", expresa sobre su maestra, con quien debutó como voz solista de las contraltos en el coro de la Escuela N.º 1.

A los 18 años, el tango se abrió paso durante una peña de Cultores Tresarroyenses de la Música Argentina. Sin ensayos previos ni acuerdos formales, Naty se acercó a un bandoneonista de apellido Rey: "Maestro, ¿no me acompaña una pieza?". Bastaron unas repasadas tras del telón para salir a emocionar al público con Nostalgias. "A mí cuando me acercaba un bandoneón o un violín se me erizaban los pelos, era el llamado", confiesa.

Tiempo después, aquella conexión encuentra un sentido al descubrir una historia familiar oculta. A través de una revista archivada que le mostraron en la casa de un compañero de teatro, supo que el hermano de su abuelo, Roberto Lara, cantaba tango, y que su hijo había aprendido a tocar el bandoneón a los seis años, recorriendo escenarios como artista callejero. Esa rama familiar conecta con Agustín Lara, productor musical radicado en Estados Unidos, que llegó a tocar para el Dalai Lama y vivió en Orense. Para Naty, ese linaje consolidó la certeza de que el arte era un mandato de sangre. "Sentí que la historia se repetía conmigo y que ellos están todos reencarnados en mí", reflexiona.

Ese mandato la llevó a ganarse el afecto de su ciudad y a sostener una convocatoria ininterrumpida durante 26 años en el escenario mayor de la Fiesta del Trigo. Naty se define desde el zodíaco: "Soy Acuario, soy dragón de fuego. Creo que no se pueden separar la artista y la persona; yo soy esto. A la gente le gusta la originalidad y la espontaneidad. No me gusta estar rígida buscando que todo salga perfecto; no tiene que salir perfecto, tiene que salir feliz porque estás transmitiendo".

Su vida fuera de los reflectores ha sido intensa. Durante 17 años se desempeñó como consultora de cosméticos, pero antes vendió medias a los 14 años en la peatonal de Mar del Plata tras escaparse de casa en un acto de rebeldía adolescente; luego atendió una agencia de quinielas e hizo artesanías para venderlas junto a sus discos. Si un cliente decía "yo no escucho tango", Naty sacaba su repertorio de covers o cantaba a capela para conquistar al transeúnte y por más de quince años, los doce meses que transcurrían entre Fiestas del Trigo, cantaba en trenes, subtes y colectivos de Capital.

Incluso la adversidad le dejó lecciones. En una oportunidad, tras probar suerte trabajando con aplicaciones de reparto en Villa Soldati un 25 de diciembre, sufrió un violento intento de robo del que logró librarse a pura garra y mordiscos hasta la llegada de un patrullero. Ese episodio reordenó sus prioridades: "Ahí me pregunté qué necesidad tenía de pasar por eso teniendo a mi familia". El factor común de estas experiencias es la resiliencia, que relaciona con su ascendencia gitana.

La prueba de fuego en la escena masiva comenzó con su debut en La Voz Argentina (2018) por Telefe. Tras presentarse al casting en Mar del Plata y superar las instancias previas eligiendo cantar el tango que le enseñó María Ester, la llamada de confirmación la encontró al volante en las calles de Tres Arroyos. "Cuando me llama la productora de Telefe para decirme que quedé seleccionada para la audición a ciegas, venía manejando y tuve que estacionar en la esquina de Brandsen e Istilart. Cuando corté, lancé el grito de gloria y victoria. Cada vez que paso por esa esquina me trae ese recuerdo tan fuerte", evoca.

Aquel debut marcó el inicio de un recorrido destacado en la pantalla chica argentina, en producciones de El Trece como Canta Conmigo Ahora (2022), Ahora Caigo (2025) y Es mi sueño (2026). Su paso por estos certámenes estuvo guiado por una filosofía clara, condensada en su canción Espíritu: "Aquí solo importa la entrega al cantar". Apoyada en las enseñanzas de Facundo Cabral -a quien cita: "Vení liviano, si te vas a ir sin nada, pibe"-, comprendió que en la vida no hay derrotas, sino aprendizajes. "Tenés que aprender a estar vos con vos, porque sos la persona con la que vas a convivir hasta tu último respiro", afirma.

De cara a su próximo espectáculo, programado para este viernes 11 de septiembre en la Biblioteca Campano (Hipólito Yrigoyen 252), Naty celebra el respaldo de más de 300 comercios locales que apostaron por su propuesta. Esta suma de voluntades le permite cubrir los costos técnicos, el sonido, la sala y la remuneración justa de los músicos sin la presión económica de la boletería. "Me desligo del resultado económico de las entradas porque no tengo ganas de estar pensando en el dinero cuando canto, tengo ganas de estar entregando mi corazón", sostiene.

En este nuevo despliegue escénico, la cantante estará acompañada por primera vez por una formación de tres músicos reconocidos: Sergio Pessina, Diego Canosa, Enzo Acosta y la invitación especial del quinteto La Resonancia Urbana, bajo la dirección de Juan Subrani. El repertorio recorrerá un abanico emotivo que incluye Melodía de arrabal, Milonga sentimental, Dos gardenias en rumba flamenca, Nostalgias y varias zambas tradicionales.

En este marco, la artista extiende su agradecimiento a Roberto Sarlangue, Paola Mack, Franco Mazzitelli, Milena Marcovecchio (del grupo 105) y a Irma TV Streaming por su acompañamiento en la difusión y valorización de su trabajo en la escena local. Invita también a los vecinos a seguirla en sus redes sociales, Instagram (@natalialaralavoz) y YouTube (@natalia1976), ya que cualquier reproducción al contenido significa un apoyo enorme para ella.

A pesar del reconocimiento, el motor más profundo de su canto reside en el afecto y la memoria de sus seres queridos. A cuatro años del fallecimiento de su hermana mayor, la artista transformó el dolor en gratitud: "La vida es una lucha constante y soy feliz porque hago lo que amo. Perdí a mi hermana mayor hace cuatro años y aprendí a pensar que no la perdí, sino que gané porque la tuve".

Con esa misma generosidad, Naty dedica este recorrido a la memoria de Laura Evangelina Lara y de David Arévalo, afirmando que "esas personas nunca se irán mientras las recordemos eternamente en nuestros corazones". Entre la fuerza del arrabal, el legado de su sangre y el aplauso de su gente, Naty Lara continúa cantando con el alma al desnudo, demostrando que cuando hay entrega genuina, la música se convierte en un abrazo eterno.

La banda Aromamora visitó La Voz del Pueblo para contar sobre los proyectos que tienen mente, el proceso de grabación de su primer disco, la producción audiovisual y los orígenes de la banda en La Plata, donde estudiaron y se conocieron dos de sus integrantes, Mora Burgueño y Alejo Alarcón. En 2024 se mudaron a Tres Arroyos y se sumó Agostina Alonso en el bajo para terminar de dar forma a este incipiente power trío.

La raíz de todo el proyecto musical denominado Aromamora se gestó hace unos cuatro años en la ciudad de La Plata, y con el doble de músicos en escena. En aquellos inicios, la formación original contaba con seis integrantes: “Estaba Irina en el bajo, Abril (mi hermana) en coros, Pablo en piano, Chino en segunda guitarra, Alejo en batería y yo en guitarra y voz”, recuerda Mora Burgueño, el motor creativo de la banda. Con el tiempo y los cambios de rumbo, en 2024 Mora y Alejo Alarcón decidieron instalarse en Tres Arroyos. Faltaba una pieza clave para terminar de dar forma a este incipiente power trío, y fue entonces cuando se sumó Agostina Alonso en el bajo.

La conexión fue casi inmediata. Agostina llegó por recomendación del padre de Mora, con quien trabajaba en fotografía. “Me comentó que su hija se venía a vivir a Tres Arroyos y buscaban bajista. Nos juntamos un día, me explicó su idea y pegamos onda. El estilo me gustó enseguida, los temas me llegaron, conecté con las letras. Hay un tiempo para la improvisación y para que cada uno le ponga su impronta”, detalla la bajista, quien aporta su experiencia previa en bandas locales de post-hardcore y metalcore como La Ira de Alesa y The Last Murder.

En Aromamora, la composición recae sobre Mora y funciona como el hilo conductor del proyecto. A partir de su creación de base, luego se completa cada tema en la sala de ensayo. “Son temas míos, los compongo y los paso a la banda más que nada con intenciones de la percusión. Hago la guitarra y el canto. Mi idea es darle mucha atención a la letra, a lo que quiero decir. Entonces toda la sonoridad, los acordes que pongo, van en conjunto para acompañar esas sensaciones”, explica la vocalista.

Esa búsqueda de un sonido propio —un rock alternativo guiado fuertemente por la voz y con estructuras armónicas poco convencionales— se está plasmando actualmente en el estudio de grabación del Centro Cultural La Estación, un espacio vital para los músicos locales.

Lejos de conformarse con un puñado de sencillos, la banda se encuentra inmersa en un maratónico proceso junto al productor de La Estación, Francisco Arana. “Estamos hace un año grabando. En realidad, estamos haciendo tres álbumes”, revelan con entusiasmo. El primer material, que esperan lanzar a fines de este año, consta de unos siete temas y tiene un perfil “más introvertido”, con una sonoridad que cohesiona toda la obra. El segundo disco virará hacia ritmos más "funky" y movidos, mientras que la tercera entrega promete ser "un sonido un poco más pesado ".

Sobre el trabajo de grabación, Mora destaca el aprendizaje continuo: “Vamos grabando por separado: yo llevo una maqueta de guitarra y voz con metrónomo, le agregamos la batería, después el bajo, las segundas guitarras de Alejo y mis segundas voces. Ahora también estamos mezclando ahí mismo, que es un poco complicado porque nunca antes lo había hecho, pero vamos corrigiendo detalles”.

El bagaje musical del trío explica en gran parte la riqueza de su propuesta. Mora comenzó su camino desde muy pequeña en el Coro Municipal de Tres Arroyos y luego partió a La Plata para estudiar Música Popular en la UNLP (Universidad Nacional de La Plata). Allí conoció a Alejo, oriundo de Trenque Lauquen, quien también estudia en la misma facultad. Curiosamente, aunque Alejo es un talentoso guitarrista de formación, en Aromamora se hizo cargo de los parches. “A mí me gusta que toque la batería porque le pone otra impronta. Al no ser baterista, va probando cosas y queda distinto”, admitió la cantante. Agostina, por su parte, aporta el empuje desde el bajo, instrumento con el que se sintió más cómoda tras iniciarse en la guitarra clásica a los 13 años.

Aromamora ya ha comenzado a dejar su huella en los escenarios tresarroyenses. Se presentaron en La Casona acompañando a artistas como Sara Hebe y Joaquín del Mundo, y recientemente brindaron un show íntimo en Editorial Caravana. “Hicimos la fecha solos y sentí que todos estaban reconcentrados, escuchando, disfrutándolo. Se forma un ambiente muy amiguero, terminé de tocar y pasé por todas las mesas. Se siente re cercano, como un abrazo”, relata Mora. Además, durante varios meses impulsaron una "Jam"  que se hacía todos los jueves en Caravana, fomentando el intercambio de temas propios entre músicos locales de distintos niveles y géneros.

Mirando hacia el futuro, la banda apunta a nuevas fechas para octubre y trabajando arduamente en la logística, que incluye desde sesiones de fotos hasta el vestuario diseñado específicamente para la presentación de cada disco. Conscientes de los desafíos del vivo, analizan incorporar un tecladista o una segunda guitarra, o bien utilizar pistas de apoyo para reproducir en vivo las capas de sonido logradas en el estudio.

Mientras difunden su material en plataformas como YouTube —donde ya cuentan con una Live Session de los temas "Sirena" y "Todo bien"— e Instagram (@aromamoraa), el trío no deja de reconocer a quienes los sostienen. “Queremos agradecer a toda la gente que nos va a ver, a nuestros familiares, y a los lugares que siempre tienen predisposición como los chicos de Caravana y de La Casona, y a medios como La Indie Rock que siempre apoyan el rock alternativo y el diario La Voz del Pueblo”, concluyeron. Sin prisa, a su ritmo, Aromamora se va ganando su lugar de manera auténtica, demostrando que insistir con un proyecto auténtico siempre encuentra su público.

El viernes 17 de julio, se llevó a cabo un concierto en el Conservatorio que contó con grandes intérpretes, como Matías Liva, Martina Isasa, Lucía Cavecchia y “Toti” Angeloni, entre otros. Pero, más allá de las excelentes presentaciones demostradas durante aquella jornada, hubo una inesperada revelación: el anuncio de que Sergio “El Chino” Troiano, querido profe de guitarra eléctrica y criolla, tomó la decisión de jubilarse. Sus alumnos quedaron sorprendidos y emocionados por la noticia, y tras el término del espectáculo, la ronda de abrazos no se hizo esperar.

Como esta noticia pasó bastante desapercibida y no salió tanto del nicho de la institución educativa musical local, La Voz del Pueblo se puso en contacto con Sergio, quien accedió a un intercambio personal. Entre risas y guitarreadas, Troiano describió su amplia trayectoria, sus inicios musicales, sus experiencias en la enseñanza, su jubilación y sus planes a futuro.

Consultado sobre sus orígenes musicales, el cantautor tresarroyense respondió que “fue cuando tenía más o menos 11 años, a través de toda la etapa de la Guerra de las Malvinas, cuando empezaron a surgir muchos artistas en castellano". Explicó que esta etapa marcó su gusto, y que cuando su verdadera pasión surgió “comencé a escuchar muchos artistas que me empezaron a gustar: Charly García, León Gieco, Mercedes Sosa... y después ahí nomás llegaron Pappo, Spinetta; y entonces también fue el gusto por la guitarra eléctrica y esa sonoridad. Vengo del rock nacional", siendo estos músicos y este género sus referentes.

Esto lo contrastó con la tradición de la zona, que suele ser la música folklórica; su puerta de entrada al mundo sonoro fueron la radio y el rock nacional. Aun así, reconoce que, en aquella época, no existía una oferta para aprender guitarra eléctrica en Tres Arroyos: “Yo empecé a los 13 años a tocar este rock. No había una escuela que me pudiera enseñar eso y se registraba un hueco en la educación porque no había alguien que pudiera enseñar el instrumento”.

Haciendo memoria sobre su formación, no pudo evitar recordar sus estudios privados en Buenos Aires con el profesor Néstor Crespo; decisión influenciada por la falta de ofertas académicas en aquella época: “Después de la etapa del rock, inmediatamente me llegó la música de jazz o el jazz fusión. Pero eso no existía acá; no había músicos con quién aprender. Entonces yo eso lo hice de forma privada”. Y añadió que, por aquel entonces, “El profesor privado tenía una entidad propia que hacía escuelas. Yo tuve la suerte de tomar la decisión de ir y ahí aprendí a tocar jazz y a tener una formación ordenada”. Y como dato no menos importante, afirmó que “mi profesor es fundador de la Escuela de Música de Avellaneda. Ahí me formé en lo que es toda la parte de música popular ligada al jazz, pero que se puede extrapolar al folklore o al tango."

Y como la música es principalmente jugar, Sergio mencionó que aprendió bastante de forma autodidacta, pero que, aun así, no reemplaza en absoluto a la formación académica: "Te diría que aprendí con la revista Canta Rock fundamentalmente, y a partir de ahí iba sacando las cositas de los acordes, pero nunca pude sacar un tema. O sea que agarraba lo que podía aprender y me hacía un tema yo".

Habiendo surgido así su capacidad de experimentación, en contraste, remarcó con firmeza la importancia de la institucionalización del saber y el desenvolverse en un ámbito nutritivo, recordando así su época de estudiante en el Conservatorio: "La academia te cambia la vida, no es lo mismo. Vos entrás, ves cosas del lenguaje escrito, escuchás uno que toca el piano, otro que toca la flauta. Ya la idea de la música cambia en ese sentido”. Asimismo, resaltó esta “nutrición” que obtuvo del establecimiento educativo gracias a la hemeroteca con la que contaba: “yo me esforcé para conocer un poco la música clásica y me llevaba grabaciones para ver quiénes eran los artistas: Ravel, Mozart, Bach… Fue importante porque ya empezás a tener un oído más o menos en la misma línea”.

De regreso en Tres Arroyos, se convirtió en el primer profesor de guitarra egresado del Conservatorio local (titulado en 2002) y, desde 2005, ejerció como docente en la institución enseñando guitarra eléctrica y clásica.

Durante el reportaje, afirmó con total certeza la gran oportunidad que representa para la juventud actual el Conservatorio y su sistema renovado: "Los músicos anteriores a nosotros en los 80 no tuvieron la oportunidad de tener en su lugar una formación académica, con lo que implica en lo técnico y en el conocimiento de la música. Tener la academia en tu localidad: para mí fue una revolución el Conservatorio en ese sentido. A mí me hizo bien, navegué siempre en los dos mundos (autoaprendizaje y estudios académicos). Tenés esa formación técnica sobre las grandes cuestiones de la música: la lectura, las obras, el conocimiento de distintas estéticas musicales".

Tras dos décadas y media de enseñanza, siente que “ser profesor es una vocación. Es poder compartir tu conocimiento con el otro, resolver y vivir juntos cuestiones de la música; hay un equilibrio entre lo que descubre el alumno y lo que uno como profesor descubre al dar el mismo ejercicio 20.000 veces. Esa retroalimentación es necesaria para el progreso”.

Sobre la polémica relación “esfuerzo-talento”, Sergio opina que "Talento tenemos todos; esfuerzo no tanto. Creo que lo más importante es ser perseverante. Todo el mundo tiene su talento; vos tenés que descubrir cuál es tu talento y hacerte fuerte ahí”.

Y al ser indagado sobre si seguirá dando o no clases de forma particular, tranquilizó las dudas diciendo que “no es que yo puedo cortar con eso. Si puedo en el Conservatorio mejor, y si no, de forma privada, y compartir los conocimientos que yo también tengo”.

A la par de la docencia, mantuvo una actividad constante en la escena local, transitando por el folklore, el tango, el rock y participando activamente en el auge del jazz en la ciudad a partir de los años 90 (destacando proyectos como la Big Band Regional). 

Al analizar la complejidad de sostener una vocación artística en el medio local, reflexionó: "Ser artista en Tres Arroyos es muy complejo… estás con un público muy reducido, entonces eso genera muchas frustraciones. Lo más difícil es poder sostener una carrera artística en un lugar así durante tanto tiempo. Yo empecé a tocar en el 84; cada vez que querés concretar algo lo tenés que hacer vos: tenés que llevar a la gente, tenés que hacer la publicidad, armar el grupo, y eso a veces desgasta un montón”.

Además de tocar en vivo, El Chino hace radio. Este fue siempre un medio vital para Troiano, tanto en su formación como oyente en los años 80 como en sus primeras incursiones radiales en 1992 en la histórica "Radio Pirata".

Actualmente, su programa “Están Hablando de Jazz”, transmitido por la Radio Cooperativa Indie Rock 104.7 MHz, le ha dado la oportunidad de compartir este hermoso arte a la comunidad: "Tuve la suerte de que mi mujer me ayudara y construir una hermosa sociedad radial. Construimos eso junto a Diego Moyano, que nos dio la oportunidad. Y se armó algo que fue muy interesante, y aparte que nos ha sorprendido su proyección: somos un programa de proyección nacional. Nos reproducimos en distintas ciudades: Tandil, Bahía Blanca y La Plata… Desde un lugar pequeño podés hacer un programa, mandar música para comunicarte, abrir un poco la ventana, y eso nos ha beneficiado muchísimo”.

Ya jubilado, no tiene ningún arrepentimiento sobre todo lo que le hizo llegar hasta acá: "Soy una persona que hizo lo que quiso. Sabía que era algo que estaba en mí, ser profesor y también ser artista. Estoy contento porque pude realizarme realmente”, concluyó.

El pasado sábado 22 de agosto, el Vocal de Cámara de la Municipalidad de Tres Arroyos, dirigido por Mariela Thesz, participó del XIII Encuentro Coral Articanta, realizado en el Teatro Español de Pigüé.

Durante la jornada, la agrupación compartió escenario y momentos de camaradería con el Coral Artimusa, Arteens y Vocal 8 y 1/2, de Bahía Blanca, en un encuentro que reunió música y distintas expresiones culturales.

La representación de Tres Arroyos recibió un cálido reconocimiento por parte de los espectadores y de los demás integrantes del encuentro, quienes acompañaron la presentación con sus aplausos.

El Vocal de Cámara contó además con el acompañamiento del pianista Emanuel Monte, quien formó parte de la presentación.

Desde la Municipalidad destacaron la participación de la agrupación y felicitaron a todos sus integrantes, a su directora Mariela Thesz y al pianista Emanuel Monte por representar a Tres Arroyos en esta nueva edición del encuentro coral.

Nelson Castro cambió por unos minutos los micrófonos por la batuta y protagonizó un momento especial en televisión. El periodista, que también tiene formación musical, se puso al frente de una orquesta integrada por alumnos de una escuela de Chascomús para interpretar la tradicional Marcha de San Lorenzo.

Por Juan Falcone

El 20 de noviembre de 1990 quedó grabado como un hito absoluto en la memoria cultural de Tres Arroyos. Aquella noche, Soda Stereo hizo vibrar el Gigante de Huracán en pleno auge continental con su "Gira Animal". Sin embargo, el costado más extraordinario de aquel recital no estuvo sobre las tablas, sino en su génesis: una patriada impulsada por 30 personas de “a pie”, que arrancó como un chiste pero siguió con un “¿por qué no?”

Una idea

La semilla de aquella aventura germinó en una mesa de café durante una madrugada cualquiera. Luis Elichiri recordó con precisión aquel momento: “Eso fue entre agosto y septiembre del 90, ya se había publicado el disco Canción Animal y apareció en un diario Clarín de un domingo

 Nosotros estábamos con uno de los mozos de El Quijote, con Sergio Alarcón, tomando un café después del cierre del diario. Era de madrugada, no había nadie, él estaba mirando el diario y apareció, junto con el detalle de la gira, que había posibilidades de sumarse porque estaba sponsoreada por firmas comerciales. Dijimos como charla de café: '¿Y si los traemos nosotros acá?'. En el cronograma ya estaba establecido que iban a Mar del Plata y Bahía Blanca, y nosotros estábamos en el medio. Lo dijimos y punto. Pero enseguida le fuimos a preguntar a Liche Kraemer, que seguramente tenía más información. El hecho de contarle a Liche fue el arranque definitivo, porque él se ocupó de todo”.

El contexto del país volvía a la iniciativa una auténtica hazaña, “no era el uno a uno todavía. Era el primer año y medio de Menem previo a la convertibilidad, era una locura económicamente, era un escándalo. No tenía ningún asidero. En realidad fue una locura que se nos haya ocurrido y que lo hayamos hecho”, remarcó Elichiri.

La propuesta consistió en formar un grupo de 30 personas dispuestas a aportar 300 dólares cada una para reunir el anticipo. Ángel Fusaro explicó que la convocatoria fue natural por los ámbitos que frecuentaban: “Nosotros trabajábamos en el diario, algunos en la radio, en El Quijote o en Yamó. Éramos todos del ambiente de la noche prácticamente”. Gargaglione sumó: “Los dos que fueron a firmar a Buenos Aires fueron Luis y Liche Kraemer. Ellos fueron los que pusieron el gancho con los productores oficiales”.

La figura de Liche Kraemer

La figura del recordado locutor y conductor de LU24 Liche Kraemer resultó determinante para abrir las puertas necesarias en la Capital Federal. “Liche traía un montón de música de afuera y de Buenos Aires. En ese momento la radio, el diario y el boca a boca eran las máximas fuentes para enterarse de las cosas. Soda ya estaba con producción propia, se encargaban ellos mismos. Liche se contactó con la gente que conocía, tuvo las precisiones y supimos que había que llevar 9.000 dólares a Buenos Aires para firmar el contrato, y el resto se pagaba acá”, detalló Elichiri.

Gargaglione agregó un dato central respecto al valor del espectáculo: “Salía 15.000 dólares traerlos porque estaba de gira. Si no hubieran estado de gira, salía 25.000 dólares”. Elichiri enfatizó la gravitación del conductor radial: “Yo soy un convencido de que esto se hizo porque estuvo Liche en el medio, que era extraordinario y tenía los contactos. Si no hubiera estado él, no se hubiera hecho. Nosotros fuimos a la productora de Soda a firmar el contrato y él entraba y era Liche, lo conocían todos”.

Fusaro también evocó a su amigo con profunda emoción: “Liche era una persona con un sentido del humor espectacular, todo el mundo lo quería. En mi caso tuve mucha relación porque yo pasaba música y le prestaba los equipos. Tenía una habitación con las cuatro paredes llenas de discos que le mandaban gratis desde las discográficas por su programa”.

El objetivo del grupo fue acercar a la juventud local un evento inalcanzable de otro modo. “Las entradas fueron muy populares. Sacando la cuenta hoy en comparación, no llegaba a 20.000 pesos de ahora por persona. Teníamos una mesita en la confitería El Quijote donde vendíamos entradas de día y de noche. Vendimos unas 2250 entradas, pero los dos últimos días fue cuando se vendió casi todo”, señaló Gargaglione.

A la hora de montar el recital en el Gigante de Huracán, las exigencias técnicas desbordaron por completo las previsiones de un grupo sin experiencia en producción masiva. “Cuando hablé con la gente de Huracán por el lugar, lo primero que me dijeron fue que estábamos locos, porque ese año Mercedes Sosa había venido al Gigante y había ido muy poca gente. Nos preguntaban cómo íbamos a hacer para pagarles”, relató Elichiri.

Las dimensiones del show obligaron a resolver sobre la marcha problemas de gran escala. “El escenario lo traían ellos en dos camiones semi llenos hasta arriba porque acá no había estructura para eso. Nosotros mismos salíamos del diario y nos subíamos al camión para bajar las tablas y ayudar a armar. Además, tuvimos que alquilarle de urgencia un transformador a la CELTA porque no alcanzaba la electricidad del lugar para semejante despliegue de luces y sonido”, recordó Pucho.

Elichiri graficó la inocencia con la que encararon los preparativos: “Llegó el productor técnico a la madrugada, nos pusimos a tomar un café y de todo lo que nos pedía parecía que no teníamos nada. Nosotros teníamos armado el frente del escenario con sillas, como si vinieran Los Chalchaleros. Vino el productor y nos dijo: 'Saquen esas sillas de ahí porque eso es campo'. Nosotros no teníamos ni idea de lo que era un campo en un recital de rock. En el contrato también figuraban cosas que jamás habíamos visto, como una botella de whisky Chivas Regal en el camarín o un teléfono inalámbrico para que ellos pudieran comunicarse con sus familias en Buenos Aires”.

La noche del show

El 20 de noviembre, el operativo de seguridad recayó íntegramente sobre las espaldas de los propios organizadores. “No teníamos experiencia en nada. No había policías adentro, éramos todos nosotros atajando a la gente. Nos pasaban por arriba y por abajo del escenario. Yo estaba abajo con una cámara queriendo sacar fotos y todos me pedían que los dejara pasar al frente. Les dije que esperaran a que se apagaran las luces y los dejé pasar porque no había forma de contenerlos”, confesó Gargaglione entre risas.

Marcelo Nucera revivió la intensidad de esa jornada desde adentro: “A mí me tocó custodiar el pasillo perimetral técnico entre el grupo y la gente del campo. Para mí es un recuerdo inolvidable porque sentías la energía del público y veías a los músicos con toda su potencia a diez metros. Fue algo único. Si tuviera que actualizar ese espectáculo al presente, creo que sería imposible lo que hicieron los chicos. Destaco la idea que tuvieron y cómo la llevaron a cabo; en la actualidad me parece una cosa imposible e irrepetible”.

Fusaro completó la estampa del impacto que causó en el público: “He visto a chicos lagrimear de la emoción. No es lo mismo ver un recital desde lejos en la cancha de River que tener a Soda Stereo a diez metros en tu propia ciudad”.

Al hacer el balance financiero, las cuentas cerraron con precisión y espíritu solidario. “De 15.000 dólares iniciales terminamos gastando cerca de 27.000 por todos los costos que se sumaron, y recaudamos alrededor de 29.000 o 30.000 dólares. Le donamos 500 dólares a la Escuela Especial 501 y con el resto nos pagamos dos muy buenas parrilladas entre nosotros”, detallaron Elichiri y Gargaglione.

Pese a haber sido los artífices del show, ninguno de ellos conserva una fotografía junto al trío liderado por Gustavo Cerati. “Estábamos tan metidos en cuidar las puertas, los pasillos y que no pasara nada, que ni siquiera nos sacamos una foto. Cuando terminó el recital nos fuimos con Liche a saludarlos y despedirnos al restaurante Tropo, donde ellos estaban cenando, y ese fue nuestro único contacto directo”, admitió Fusaro.

Como reflexión final, Luis Elichiri rescató el valor de animarse y probar aunque se presenten adversidades: “En ese momento había una crisis tremenda, nosotros nos animamos a hacer esto y salió bien. Lo importante, si de algo sirve esta historia, es no quedarse con las ganas y siempre intentarlo”.

El contexto

Para entender la magnitud del suceso, cabe recordar que en noviembre de 1990 Soda Stereo se encontraba en el pináculo de su trayectoria. Gustavo Cerati, Zeta Bosio y Charly Alberti venían de encadenar el éxito continental de "Signos" y "Doble Vida" con la publicación de "Canción Animal", considerado una de las obras cumbres del rock en español. La banda realizaba una gira histórica por más de treinta ciudades argentinas y latinoamericanas, acompañados por Andrea Álvarez en percusión y Tweety González en teclados.

Arriba del escenario, el recital fue demoledor. Con un repertorio que alternó novedades como "(En) El Séptimo Día", "Hombre al Agua", "Cae el Sol" y el flamante hit "De Música Ligera", la banda cautivó a los miles de fanáticos presentes. Entre las postales más celebradas de la velada quedaron el guiño de Cerati entonando "Tres Arroyos se ve tan susceptible" en "La Ciudad de la Furia", el instante de humor tras un error técnico en "Entre Caníbales" donde Gustavo bromeó diciendo "y pensar que lo ensayamos toda la tarde", y los bises finales donde el líder lució una galera para interpretar una versión ska de "Un Misil en mi Placard", sellando una jornada imborrable para la historia del distrito.

El sábado 1 de agosto quedará marcado para siempre en la historia de Tres Arroyos como el día que se inauguró el Danés Teatro Bar con la presentación estelar de un ícono del rock nacional: el Bahiano, en su regreso a la ciudad después de 3 décadas.

Desde temprano las puertas del flamante teatro bar, ubicado en pleno centro, comenzaron a recibir a un público ansioso. Familias, grupos de amigos y fanáticos de distintas generaciones hicieron fila para ser parte de la inauguración. El clima era de fiesta. No era solo un recital: era la presentación en sociedad de un lugar pensado para que la música, el buen comer y el encuentro convivan bajo el mismo techo.

Un setlist pensado para emocionar

Puntual, el Bahiano salió a escena y la ovación lo envolvió. Después de muchos años tras su última visita a la ciudad, el artista regresó con la misma energía que lo hizo referente del reggae y el pop argentino en los 90, pero con la solidez de una carrera solista que ya lleva más de 20 años. En esta ocasión con un formato acústico que tiene el talento en la guitarra de Luciano Ciganda y el histriónico personaje que lideró Los Pericos durante 17 años.

La selección de temas estuvo atinada al gusto de la gente. El comienzo fue un viaje directo a la época de oro de Los Pericos. Sonaron los infaltables Sin Cadenas y Mucha Experiencia, que hicieron cantar a coro a todo el salón. Para sorprender, sumó Complicado y Aturdido, del 2002, que forma parte del último disco de Bahiano en Los Pericos.

Entre tema y tema, el Bahiano se tomó su tiempo. Con la cercanía que lo caracteriza, contó historias de viajes por todo el continente americano, anécdotas de giras interminables, de festivales y de encuentros con el público. Ese ida y vuelta convirtió al show en algo más íntimo que un simple concierto.

La segunda parte del repertorio siguió repasando clásicos que atraviesan generaciones: Pupilas Lejanas y Tarde Gris volvieron a erizar la piel, y el cover de Duerme Negrito, popularizado por Mercedes Sosa, bajó un cambio para emocionar desde otro lugar.

Hubo espacio también para la balada romántica con A Primera Vista, de Chico César, interpretada con mucha sensibilidad. La potencia volvió de inmediato con Runaway, y el pico de euforia llegó con Óyelo, uno de los temas más exitosos de su etapa solista, que hizo bailar todo el público presente.

El cierre fue a la altura de la noche. Primero Jamaica Reggae, clásico de los comienzos de Los Pericos que funcionó como guiño a los más memoriosos. Y para que nadie se quedara quieto, el broche final: Home Sweet Home. Con todos de pie, bailando y aplaudiendo, el Bahiano se despidió entre agradecimientos y la promesa de volver pronto.

Gastronomía y vino para acompañar la música

El Danés Teatro Bar no apostó solo a la música. Desde la apertura de puertas, el público pudo deleitar el paladar con la propuesta de la cocina de Pampa, que ofreció diferentes variedades de empanadas artesanales. Fueron el maridaje perfecto para la previa y la espera del show.

A eso se sumó una degustación de vinos con 4 bodegas Premium seleccionadas por Casa Vina. Tintos, blancos y espumantes circularon entre las mesas mientras sonaba la música, en una apuesta clara por combinar cultura y buena comida. La idea, según comentaron los organizadores, es que cada fecha tenga una propuesta integral para que el público tenga un motivo más para volver.

La noche siguió de fiesta

Terminó el show, pero la noche recién empezaba. Con las mesas corridas y las luces bajas, el Danés abrió su pista de baile. El DJ Set tomó la posta con un repertorio variado principalmente poblado por clásicos bailables y temas actuales. La gente se quedó, bailó y brindó. Fue la postal que buscaban los dueños del lugar: un espacio donde se pueda cenar, ver un show de nivel nacional y después seguir la noche sin moverse del lugar.

Un nuevo punto de encuentro para Tres Arroyos

La inauguración del Danés Teatro Bar llega en un momento clave para la escena cultural de la ciudad. Con capacidad para recitales, cenas show y eventos, el espacio propone una programación que combinará bandas locales, artistas nacionales y propuestas gastronómicas.

Tres Arroyos ganó un escenario, un bar y un lugar para encontrarse. Y lo hizo con el regreso de un artista que, 30 años después, volvió a hacer vibrar a la ciudad con el mismo reggae que marcó a toda una generación.

El Bahiano se fue, pero dejó la vara alta. El Danés ya abrió sus puertas. Ahora queda que la historia recién empieza.

Por Santiago Rivadeneira

El rock argentino en los últimos años careció de la emergencia de bandas nuevas ante el cambio de paradigma y las modas que llevaron al surgir de artistas en otros géneros.

Una de las bandas que sobrevivió y logró emerger en este contexto con fuerza de forma reciente fue Camionero, una banda dúo, conformada por el guitarrista y vocalista Joan Manuel Pardo y el batero y corista Santiago Luis, prescindiendo de la figura de un bajista pero logrando un agresivo y potente sonido que aúlla rock.

En 2024, con un buen repertorio de canciones, se presentaron en Tres Arroyos con La Casona como escenario. El tiempo pasó y ese curioso dueto no solo se mantuvo, sino que agotó funciones y logró llenar un Vorterix o incluso hacer una gira en México.

El pasado martes Camionero publicó su nuevo álbum, que siguiendo la temática de camiones, bajo el nombre de Pruebas de Contacto, el cual tendrá su presentación en el Teatro Flores, con una función agotada.

El álbum comienza con MALA SUERTE VARÓN, un single que capta la esencia de Camionero, comenzando con un suave rasgueo que se va intensificando hasta la explosión en el estribillo, con la particular reverb (o eco) que caracteriza a esta banda, posiblemente uno de los futuros hits del disco.

Posteriormente se hace la calma con una canción homónima al álbum, pero el tercer sencillo, AMULETOS, vuelve con toda su intensidad, escalando en ritmo, con una letra melancólica dedicada a una relación que no funcionó, para explotar en un estribillo al grito de “robo todo de vos”.

UNA ÚLTIMA OFERTA desacelera el “camión”, con una letra que habla del presente de la sociedad y la imposición de modas, además de exponer cómo se relacionan las personas entre sí con las redes sociales de por medio y un mercantilismo del sentir.

BOTÓN DE PÁNICO vuelve a ser un ritmo alto, demostrando la ansiedad que puede llegar a sentirse al impostar una personalidad.

Con letras y “ritmos spinetteanos” continúan singles como FIEBRE o CATEDRALES. La cumbre de este estilo se da en MI ESQUELETO, con casi nula percusión, al compás de un ritmo de canción de cuna. La letra contempla una despedida que implica una distancia que recae en “promesas o botellas”, que son las “tiranas de la mente”.

Se trata de un álbum con una estructura justamente de una “prueba de contacto”, acelerando y frenando el ritmo y la fuerza de la viola y batería que sonorizan a Camionero.

El pasado miércoles 6 de mayo, el músico y productor Juan Huici realizó el lanzamiento oficial de su nueva obra titulada "Donde nacen las canciones". El single ya se encuentra disponible para el público global en las plataformas YouTube y Spotify.

En este nuevo trabajo, Huici despliega una propuesta musical de alta sensibilidad artística donde la lírica y la melodía se entrelazan con una precisión profesional. La canción navega por la estética del Rock-Pop, incorporando con sutileza tintes de otras músicas y estilos musicales logrando un equilibrio sonoro que invita a una escucha profunda y orgánica.

Este lanzamiento se distingue, además, por su cuidada identidad visual. El arte de tapa es una creación del artista visual Ignacio Carrera, quien logró plasmar la esencia del single en una pieza que dialoga en perfecta sintonía con el universo sonoro de la canción, aportando una profundidad estética que completa la experiencia del oyente.

En cuanto a la calidad técnica y producción del audio, la mezcla y el mastering estuvieron a cargo de Darío Hiriart, garantizando como es de costumbre un estándar de sonido competitivo y de alto nivel.

Es importante destacar que este lanzamiento cuenta con el respaldo de una sólida trayectoria académica. Juan Huici es músico recibido en el Conservatorio de Música de Tres Arroyos, una formación que también se traduce en el despliegue técnico y la riqueza compositiva de sus producciones.

Además de su faceta como cantante, guitarrista, músico y compositor, Juan desempeña un rol importante en la comunidad educativa local como director de su propia institución, la Academia de Música Juan Huici. Allí, vuelca su experiencia como profesor de canto y guitarra, formando a nuevas generaciones de músicos bajo los mismos estándares de excelencia que aplica en su carrera profesional.

"Donde nacen las canciones" se puede escuchar, como se indicó, en Spotify y en Youtube. En las redes sociales, los interesados en acceder a más información pueden ingresar en Instagram a la cuenta @juanjhuici.

Del mismo modo, la canción se va a incorporar en los contenidos de redes de La Voz del Pueblo digital.

La banda local Arlequines estrenó su segundo disco de estudio titulado “Tentando a la suerte” el sábado por la noche en el Centro Cultural La Casona, ante un gran marco de público que llenó la sala principal. El 29 de marzo seguirán presentando el material en Brothers Bar de Tandil.

El tema que rompió el hielo fue “Tentando a la suerte”, luego hubo una suerte de popurrí con las canciones de su primer álbum, como el clásico “Dime que” o “No ves”. Llegó el turno de “Pasan los días”, último track del flamante disco, en una versión acústica en la que se permitieron bajar del escenario y tocar entre la gente.

El show duró un poco más de una hora, recorrieron los 6 temas que le dan vida al nuevo trabajo discográfico y en un pasaje del encuentro recordaron y le dedicaron el recital a Leticia Lembi (periodista fallecida en noviembre de 2025, en su momento pareja del baterista de Arlequines).

El grupo se formó en el 2016, está integrado por Emanuel Fredes en voz y guitarra, Santiago Echeverría en guitarra y coros, Matías Elcuaz en batería y Federico Palladino en bajo. En el 2018 lanzaron los simples “Dime Qué” y “Colombina” y al año siguiente publicaron su primer álbum “Ansiedades”, con el cual recorrieron la provincia de Buenos Aires.

“Tentando a la suerte” se grabó entre julio de 2024 y marzo de 2025 en el estudio Mitsuki y en Inca Records, con la mezcla a cargo de Luca Albano Barzán, la masterización de Mariano Bilinkis y el diseño de Mamá Cabra.

Con el correr del tiempo la banda se fue afianzando, ganando el reconocimiento en el ambiente rockero y una fuerte presencia en las redes sociales, donde se los puede encontrar como @arlequinesok. En 2024, después de un gran trabajo de Leo Dean en dirección, filmación y edición, realizaron su primer videoclip del tema "Preguntas", que contó con la participación especial de Juan Meijide como actor invitado y el diseño de Andrea Despósito.

Los músicos Andrés Mazzitelli (voz, teclado y guitarra) y Billy Wilson (voz, guitarra y bajo) regresan este viernes 13 de marzo con uno de los espectáculos más exitosos del verano: un viaje por el tiempo de la mano de las canciones de Charly García.

Desde Sui Géneris, pasando por Serú Girán y su etapa solista, el dúo trae de regreso títulos que están en el imaginario musical colectivo de tres generaciones, sumando apostillas y comentarios que dan contexto histórico y emocional a esas canciones.

El show se estrenó en enero en la sala del QEA Claromecó con el título de “Yendo de la playa al living”, y repitió en febrero, ambas presentaciones con un éxito notable, generándose una total comunión con el público, lo que demuestra la vigencia extraordinaria de la obra musical de Charly García.

Por el lado de los intérpretes, es la primera vez que estos músicos comparten un proyecto común, teniendo ambos sus respectivas bandas, Billy Wilson con Plan B (tributo a Soda Stereo, que fue telonera de Abel Pintos) y Andrés Mazzitelli con Beatles en vivo!, que vienen de presentarse con éxito nada menos que en The Cavern en la calle Corrientes, en Buenos Aires.

En esta nueva función se anuncia la presencia de músicos invitados.

La cita entonces, será el próximo viernes 13 de marzo a las 22.30 en el Centro Cultural La Casona, avenida Rivadavia 641. Las entradas anticipadas ya se encuentran a la venta, para lo cual hay que contactarse a través de los celulares 2983-664269 y 2983-408337.

Un espectáculo para reconectar con la buena música, con las emociones y cantar de punta a punta esas canciones que han atravesado el tiempo sin perder su encanto.

Por Santiago Rivadeneira, de La Voz del Pueblo

El pasado 25 de septiembre Milo J lanzó su nuevo álbum “La Vida Era Más Corta”, el cual tuvo un giro radical en el estilo que solía mantener el joven de 18 años.

Milo J es un joven de Moreno quien, a su corta edad, destacaba en la escena del trap y rap urbano por la profundidad de sus letras y el éxito de sus lanzamientos. No obstante, para su gran álbum de 2025 decidió cambiar el rumbo, orientándolo al folclore.

Si bien el artista lo había anticipado en sencillos anteriores, como en “Daña (Elvira)”: “Me aburrí de hacer trap, negro, quiero hacer folclore”, Milo construyó un álbum con 15 canciones que suben y bajan de ritmo, pero mantienen el folclore como hilo conductor, con los instrumentales típicos del género, distintos a los del trap.

El aval de grandes del folclore, como Soledad Pastorutti o el dúo Cuti y Roberto Carabajal, le da la aprobación al joven músico de Moreno.

Asimismo, ante tal arriesgado paso en su carrera, que podría alejar a su público joven, los oyentes de Milo J recibieron este álbum de buena forma, teniendo entre los favoritos de la mayoría a “Gil”, “Recordé”, “Bajo de la Piel” o “Niño”.

La propuesta visual del álbum fue ambientada en Santiago del Estero, dando una revisitada a las raíces y tradiciones de nuestro país, tal como las canciones del disco quieren transmitir.La versatilidad de Milo J trasciende fronteras y demuestra una contracultura poco vista en estos tiempos. Cuando las firmas discográficas y el mainstream indican a muchos artistas que el camino es hacer música adaptable a las redes sociales y con el reggaetón o trap como lienzo, el joven de Moreno demuestra que hay espacio en el medio musical para hacer lo que uno quiere y dar un buen contenido.

La presentación de este proyecto ante el público será en el estadio Vélez. Tras agotar una fecha, se agregó una nueva función para el deleite de un artista que, a pesar de su juventud, acapara y convoca a todas las edades.

En 2024 se encontraron los amigos Javier y Cristian, para darle vida al proyecto. Se pusieron a ensayar, a buscar un sonido original, armar temas y darle forma al grupo, “trabajamos y buscamos la idea de hacer ciertos temas, hubo mucha prueba y error con Cristian hasta que se sumó Gabi, quien alentó a meterle para adelante con temas propios. Ahí se empezó a formar Perro a Cuadros, llegó el eslabón que faltaba (por Gabriel Pizzo)” sintetizó Curruinca.

Cuando uno pregunta de dónde viene el nombre tan particular de la banda, Pizzo asegura que “el nombre es porque somos una banda atípica, el estilo no es descubierto por nosotros. Es decir, hacer cuarteto ska no está descubierto por nosotros, la banda está grabando un disco con colaboraciones importantes como hay un músico de Los Auténticos Decadentes (trombonista) y Guillermo Rangone trompetista de Los Cafres y otros músicos más, percusionistas, pianistas y demás”.

Si tienen que definir el estilo o el género, no es nada fácil ya que “es una banda muy atípica porque pasa por un estudio de grabación con semejantes músicos y nunca se presentó en vivo, entonces dijimos `esto es más raro que Perro a Cuadros`, es decir, por un dicho quedó el nombre de la banda definida que lo estamos registrando, bien original. Es un cuarteto ska bien elaborado, vientos, bajos, guitarras, voces varias” asegura el baterista, Gabriel Pizzo.

Curruinca, Cravena y Pizzo son tres músicos con mucha trayectoria, quizás sea la razón por la que van paso a paso en este proyecto. Aseguran que “no se nos cruza por la cabeza todavía tocar en vivo, la idea primero es poder lograr armar bien el disco, definir bien los temas para que estén bien armados y luego de que esté el disco armado y sonando si por ahí presentarnos en sociedad. Los tres temas que sacamos están en diferentes multiplataformas, `Eterna` tiene mucho contenido su letra, ´No te vayas de mi lado´ es una letra con una linda historia de amor y ´dónde está el fernet` es una letra con picardía sana, tema de fiesta con letra sana”.

Cravena aclara que “el tema vinculado al fernet lo armamos porque teníamos un estudio con Javi e íbamos a la casa de un amigo y siempre la mujer le escondía el fernet para que no nos quedáramos mucho. Estos tres temas ya están registrados, ahora el paso siguiente es sacar el disco completo con 10 temas completos, quizás 11, que ya están grabados y se masterizan en un estudio muy groso de Buenos Aires. La idea es trabajar con gente de élite, que el material sea buena con una base local. Tenemos colaboraciones importantes, estamos muy contentos por este presente”.

Sobre los objetivos de la banca, comentaron que “los temas que tenemos se subieron a las plataformas hace tres semanas. Cada músico sueña que, cuando hace un tema propio, que la gente cante su tema, eso sería fundamental. Si el tema suena en la radio, o se escucha en una casa o lo va escuchando el auto, por la calle, ese es el objetivo máximo de inmediato que podemos llegar a tener, que la gente cante tus temas”.

Acerca de las influencias que tienen en común, Pizzo remarcó que “todos escuchamos música diferente, folclore en donde Cristian es excelente, como lo fue su padre, hay fanatismo por The Beattles, Cerati, toda música fantástica. Al mezclar esas cabezas, empezó a tomar forma esta banda con este proyecto, tiene un poco de todo. Los Cadillacs nos une a nosotros tres por igual. Queremos lograr encontrar un estilo propio en la fusión de varios estilos. Tenemos gustos musicales distintos, eso te enriquece el grupo, ensayamos, probamos, vamos para adelante”.

La amistad es un factor fundamental en el proceso como banda, cuenta Curruinca: “Somos un grupo de amigos, eso es lo más importante. El trompetista de Los Cafres, Guillermo Rangone, nos envía grabaciones y te dice `fijate que te gusta, que no` y demás. El contacto se dio con él por medio de una amiga que tenemos (Natalia Rangone) que es prima de él, cuando armamos este proyecto nos faltaban instrumentistas de viento y en una charla con ella nos dijo que nos podía conseguir un trompetista”.

La banda local Perro a Cuadros ya tiene sus temas disponibles en Spotify, YouTube y todas las plataformas digitales.

Será el viernes 5 de septiembre en la disco bar Chapas, espacio en el cual se presentará la reconocida banda para dar un nuevo espectáculo. La voz femenina del grupo Micaela Viñuela conversó con este diario para adelantar algunos detalles de lo que se viene

El viernes 5 de septiembre -pasada la medianoche a la 1 de la madrugada ya del sábado- en la disco bar Chapas se presentará el grupo musical Toke Cumbiero.

Quienes deseen asistir al show podrán adquirir sus entradas en forma anticipada a un precio de $7000 a través de la red social Instagram en @tokecumbiero (por mensaje privado), también en Gallo Rojo (avenida Moreno 261) o bien, abonarla el mismo día del evento -en puerta- a un valor de $10.000.

Se trata de una banda de cumbia que está compuesta por Micaela Viñuela (voz), Manuel Ferro (güiro), Pascual Ferro (timbal), Darío Hiriart (teclados y capitán), Andrés Sosa (acordeón, teclado y voz) y Alejandro González Brest (congas y bongo).

Cabe señalar que, de esta presentación, también formará parte el Dj Facundo Suárez para que el público pueda seguir bailando durante toda la noche y ser parte a su vez de una verdadera fiesta. Además, habrá un músicos e invitados especiales para la ocasión, quienes tocará algún que otro instrumento junto al resto del grupo.

En forma previa a esta propuesta, una de las integrantes de Toke Cumbiero y en este caso la voz femenina Micaela Viñuela (39), dialogó telefónicamente con este diario para promocionar el espectáculo y dar a conocer más información al respecto.

En relación al show previsto, explicó que “somos una banda que surgió en marzo de del 2024, la verdad es que se armó un equipo muy lindo y de forma rápida. Ya hicimos varias fechas, estamos muy contentos por este presente. Esta será una nueva fecha propia en Chapas, una especie de sesión/volumen 3”.

Y agregó que “será un gran show que contará con un Dj que seguirá la temática de lo que es la banda, como para que la gente siga bailando cumbia hasta lo que dé. Habrá un repertorio nuevo de temas, cumbia romántica, actual y algún temita pasando por la década del ´90/2000. Tenemos pensado más que nada un repertorio variado para todas las edades”.

Adelantó que, durante la presentación, “habrá varios temas enganchados y otros enteros. Será algo colorido, invitamos a la gente a sumarse. Soy la única mujer que integra la banda, en su momento cuando arrancamos allá por marzo del 2024 me llamaron directamente para sumarme a cantar e integrar Toke Cumbiero y dije que sí sin dudarlo. La realidad es que conozco a los chicos de hace años, somos una familia. Es bastante cómodo para mí”.

Hizo referencia a que “tocamos música para todos los gustos y edades. La gente nos recibe de la mejor manera siempre. Hemos tocado ya en eventos grandes, de a poco van surgiendo fechas nuevas para mostrar nuestro arte y eso es importante para nosotros por el crecimiento grupal”.

Destacó que la relación que tienen como grupo humano es “verdaderamente espectacular” y en este sentido valoró que al público le llama la atención “cómo nos divertimos arriba del escenario, eso es lo que queremos transmitir porque es lo que se vive en todos los ensayos porque son una fiesta. Cada uno tiene clarísimo el rol que ocupa, trabajamos profesionalmente y al mismo tiempo nos divertimos, todo ello con una organización planificada. El público encuentra complicidad en nosotros cuando está cerquita del escenario escuchándonos”.

Remarcó la función que cumple el detrás de escena al cual consideró “fundamental por la gran cantidad de horas que le ponemos a cada ensayo. Nada es casualidad, trabajamos mucho. Los instrumentos son muy costosos, la inversión que hacemos siempre es grande. La idea es ir teniendo cada vez más presentaciones, vamos por buen camino…”.

Subrayó que lo que le faltaría a Toke Cumbiero es “sacar un tema propio, es un objetivo que tiene el grupo de cara al futuro. Para lo que resta del 2025, la idea es seguir ampliando el territorio de nuestros shows. Hemos girado por varios lugares de la provincia de Buenos Aires como por ejemplo Pergamino, Rivera y por la región”.

Por último, Micaela Viñuela invitó a la gente a ser parte de la fiesta que se viene, “no se van a arrepentir. Queremos que puedan compartir un buen momento bailando y tranquilos, más que nada con buena onda. Es lo que siempre pretendemos cuando se presenta a tocar el Toke Cumbiero”.

Será una noche especial la que se viene en la disco bar Chapas, con mucho ritmo y una producción bien armada para disfrutar de la música y el baile en su máximo esplendor.

El profesor de música y técnico en guitarra Francisco Giglio lleva adelante las clases de canto y guitarra en la Biblioteca Cacuri. En una nota con este diario contó qué busca de sus alumnos, recordó la figura de sus padres desaparecidos y cómo fue su formación. Valoró el rol que cumplen artistas de renombre, e hizo referencia a una canción especial de Soda Stereo con la cual empezó a dar sus primeros pasos

En la Biblioteca Cacuri del Sindicato Empleados de Comercio comenzaron a dictarse recientemente las clases individuales y grupales de canto los lunes a las 16 horas -para nivel inicial, adolescentes y adultos- y de guitarra los martes a las 18.

La propuesta está a cargo de Francisco Giglio, profesor de educación superior en música con orientación en producción musical didáctica. Las clases son con cupo limitado y aranceladas con descuentos para afiliados al SEC y socios de la Biblioteca.

El taller de canto es un espacio pensado para descubrir y desarrollar tu voz desde una base técnica sólida y al mismo tiempo expresiva, en un entorno creativo y progresivo. En tanto que el de guitarra criolla, apunta a crear un espacio dinámico y creativo donde los asistentes puedan explorar el mundo de la música a través de la práctica instrumental, el juego sonoro y el trabajo grupal.

Aquellos interesados en sumarse a esta iniciativa podrán hacerlo comunicándose previamente al 11 – 68029975, teniendo en cuenta que hay descuento para afiliados al SEC y socios de la biblioteca. También cabe señalar que Francisco está dando ambos talleres a la par en la sede de Editorial Caravana los miércoles a las 18 (guitarra) y los viernes a las 18 el de canto grupal.

Para conocer un poco más acerca de su vida y de los objetivos que persigue con esta actividad, La Voz del Pueblo dialogó con Francisco Giglio (49), quien en primer lugar recordó sus orígenes al criarse con sus abuelos (hijo de desaparecidos) en una vieja fábrica de soda ubicada en calle Colón y Dean Funes de nuestra ciudad.

Al respecto, recordó que “a los 19/20 años me fui de Tres Arroyos a Buenos Aires para estudiar en el Conservatorio Manuel de Falla. Soy profesor de música y técnico en guitarra. Guitarra estudié toda la vida, es sus comienzos con Sergio Troiano cuando éramos niños los dos y también con Andrés Mazzitelli. Hice 7 años de guitarra clásica en el Conservatorio y luego retomé el profesorado”.

Destacó el buen inicio que tuvo el taller de canto grupal que da en instalaciones de la Casa del Jubilado y celebró la “asistencia con participantes de distintas edades. La idea es trabajar el canto a nivel grupal e inicial, el compartir cantar con otros, intercambiar ideas. Se generan lindas relaciones a través de los repertorios que cada uno trae”.

Sobre la finalidad del taller en sí, dijo que “tiene que ver con que no hay una rigurosidad académica detrás en el aprendizaje, pero si herramientas en cuanto a la respiración y afinación para que ´cualquiera puede cantar´ como dice la canción de Los Auténticos Decadentes”.

Adelantó que la idea es tener continuidad con los talleres “hasta fin de año, y que las clases de guitarra apuntan a que cada asistente pueda tocar lo más rápido posible las canciones que les gustan o interesan, son encuentros lúdicos y didácticos. Lo que pretendo es que aborden el instrumento desde una forma lúdica, es decir, jugando pero aprendiendo a la vez e incorporando los ejercicios de técnica”.

Sobre su formación, Giglio valoró que “fui docente en Buenos Aires durante 15 años en la escuela pública, trabajé en una secundaria comercial y en escuelas primarias, además de forma privada dando clases de guitarra particular, cosa que sigo haciendo”.

Mencionó que nunca dejó de ir y venir a Tres Arroyos, “ya que es el lugar donde me crie. Tengo gente que me quiere y quiero mucho, quería criar a mi hija en un lugar tranquilo. Por eso nos radicamos acá, Tres Arroyos es una ciudad que siempre me dio mucho, quiero tratar de devolver un poco de eso también”.

El tresarroyense Francisco Giglio es hijo de desaparecidos. Con la música, pudo transformar ese dolor en un hecho artístico porque compone música para otros y con otros, “algo que siempre cura un poco y ayuda a cicatrizar semejante herida”, reflexionó.

En relación a ello, contó que “mi padre Carlos Alberto Giglio era de La Plata y mi madre Virginia Isabel Cazalas de Tres Arroyos fue secuestrada en diciembre de 1977 en Buenos Aires. A mi padre lo secuestraron un año antes, en mayo de 1976. Días atrás se actualizó el contador de nietos en la Plaza de la Memoria (140), pude asistir y tocar una canción que hice para mi mamá: ´Camisón de flores´. Integra mi primer disco, tengo dos editados. Uno es Desvelo grabado en 2012 y el otro lo edité en 2021, Luz temprana. Siempre estoy militando por la causa, desde mi lugar”.

Esa canción que compuso para su madre tiene que ver con la anécdota del secuestro de ella, “lo que siempre me contó mi hermana, que es 6 años mayor que yo. Ella estaba en camisón, cuando la secuestraron pidió cambiarse y no la dejaron. Es una canción de forma poética hablando de esa ausencia, el estribillo dice ´y en la suerte que tu amor corrió, me pierdo llorando. Y en los hombres que te hicieron daño, está el infierno quemando´. La cree de muy joven, a los 21 años en pleno proceso de reencuentro con esa historia. La canto en las situaciones que lo requieren”.

En ese sentido, subrayó que su hermana Josefina Giglio (periodista radicada en Buenos Aires) editó un libro que supo presentar en Tres Arroyos: ´Yo la quise´, “en el cual habla de su relación con mamá. Allí trata de redescubrir a su madre desde la visión de esa nena que ahora es una mujer y que ve a su madre desde otro lugar, siendo madre ella misma”, indicó.

Con orgullo, reconoció que le gusta componer canciones “fusionando una parte de la poesía y otra de la música, lo que te brinda la posibilidad de transformar el dolor -por la historia de uno- en un hecho artístico que siempre cura un poco. Eso no te saca la tristeza, pero te ayuda a cicatrizar y transformar ese dolor en un hecho concreto de arte que es compartido con otros. Cuando a esa angustia la transformas en un hecho artístico compartido colectivamente, sana bastante las heridas. Uno puede transmitir algo de lo que vivió…”.

Al ser consultado sobre cómo vienen el desarrollo de las clases, señaló que “en algunos encuentros hablamos de un par de canciones de Víctor Heredia, quien también tiene una hermana desaparecida y compuso temas que han sido populares que vienen de ese dolor transformado de la dictadura. Tal es el caso de ´Sobreviviendo´ y ´Razón de vivir´”.

Resaltó lo obsesivo que eran con su trabajo músicos de la talla de Charly García, Spinetta y hasta el propio Ceratti, “quienes trabajaban un montón porque nada es magia. Son grandes referentes al igual que Mercedes Sosa, Carlos Aguirre, Juan Quintero y tantos otros”.

Recordó con alegría el haber estudiado junto a “Lucho González, uno de mis maestros de guitarra y quien era parte del trio Vitale, Baraj, González; reconocido de los años ´80 que también tuvo una relectura de la música folclórica popular argentina. Sigo escuchando por supuesto Soda Stereo, Charly y Spinetta, pero también a todos los nuevos compositores o recreadores de la música folclórica nacional”.

Hizo referencia a que figuras como María Elena Walsh “tenían ese concepto de la canción argentina arraigado como Víctor Heredia o Jorge Fandermole. Los grandes artistas no escapan de eso, Charly es un tipo que puso cimientos a esa canción argentina desde ´Seminare´ o ´Inconsciente colectivo´ que popularizó Mercedes Sosa, pero que en definitiva es canción argentina”.

Este tema de Soda Stereo fue la primera canción que aprendió de chico. “Es un carnavalito, pero hecho pop. En los talleres que doy está esa búsqueda para abordar diferentes repertorios de la música argentina. En el canto, es bueno encontrarse con varios repertorios de música argentina desde folclore hasta pop, rock y cumbia”, sostuvo Giglio.

Valoró que el hecho de “buscar que los alumnos hagan música con lo que escuchan a diario. Lo cierto es que cada uno trae su bagaje cultural y que trabajamos haciendo música. Son muchos años dando clases, trato de sumar la propia experiencia y darlo a conocer. Todos podemos hacer música porque es algo que llevamos dentro”.

Por último, Francisco Giglio celebró que en 2024 pudo finalizar su tesis para culminar el profesorado, después de varios años de estudio. “Hice una genealogía afectiva a partir de las canciones. Hablo de aquella canción que escuchabas de chico, y que cuando la volvés a oír, te hace acordar a una escena con tu familia o amigos. Eso es la cuestión afectiva que tiene la música internamente. Es importante reconectarnos con todas esas cuestiones…”, concluyó sonriente con guitarra en mano y agradecido por la nota.

Señaló que le gusta componer canciones “fusionando una parte de la poesía y otra de la música, lo que te brinda la posibilidad de transformar el dolor -por la historia de uno- en un hecho artístico que siempre cura un poco. Eso no te saca la tristeza, pero te ayuda a cicatrizar y transformar ese dolor en un hecho concreto de arte que es compartido con otros”

Hoy, 11 de agosto, sería el cumpleaños de uno de los músicos más influyentes, no solo del rock latinoamericano, sino de la cultura de la música en general.

Un artista multifacético, que sonaba bien en un grupo o por su cuenta, que dejó una huella en la industria y un legado de innovación y carisma que trascendió y seguirá trascendiendo.

Por toda la música que creaste, por Soda Stereo, por dejar tu alma en esa guitarra, tu carisma en el escenario y tu amor por la música en esa voz virtuosa, “Gracias Totales”. Feliz cumpleaños, Gustavo Cerati.

Este sábado 2 de agosto a las 20.30 horas tendrá lugar la próxima presentación de Eiti Leda, tributo a Serú Girán, en la Biblioteca Sarmiento. La actividad ha sido declarada de interés cultural por la Municipalidad.

Eiti Leda es una banda tributo creada por Diego Sarquis en 2022 con el deseo profundo de mantener viva la música de Serú Girán: una de las expresiones más potentes, sensibles y sofisticadas del rock nacional argentino. El proyecto respeta con minuciosidad los arreglos vocales e instrumentales originales, buscando esa alquimia sonora que Serú supo crear.

En sus primeras presentaciones -Auditorio San Rafael (CABA, 2022-2023), Espacio Quelaromecó (Claromecó), La Casona (Tres Arroyos), Teatro Museo de la Reconquista (Tigre), Salón Francia del Colegio Marín (Beccar), Anfiteatro de la Bahía (Nordelta) y Teatro Pepe Soriano (Benavídez)- Eiti Leda recorrió apenas una cuarta parte del universo musical de la banda homenajeada.

La formación actual está integrada por Diego Sarquis (voz, guitarra acústica, teclados, arreglos), Ariel Scieppaquercia (primera guitarra), Daniel Vallejo (coros, piano, teclados y arreglos instrumentales), Belén Altamirano (clarinete y coros), Santino Urrutia (teclados), Nicolás Terranova (bajo), Antonio Trapanotto (batería) y Mónica Santos (coros).

Quienes vieron el concierto del verano se encontrarán esta vez con una experiencia distinta: un show único, con más músicos en escena y un repertorio ampliado, donde clásicos como “Seminare”, “Mientras miro las nuevas olas” y “Peperina” se entrelazan con nuevas joyas del cancionero de Serú.

Las entradas anticipadas, los jubilados y los estudiantes del conservatorio tienen 20 por ciento de descuento. Se pueden adquirir a través de Instagram @eitileda2025 o al número 2983-345153.

La actividad tendrá lugar el viernes 8 de agosto a las 22 horas en Mónaco, espacio ubicado en calle Juan Eliçagaray 230 de la localidad chavense

El viernes 8 de agosto a las 22 horas en Mónaco (Juan Eliçagaray 230) en la ciudad de Adolfo Gonzales Chaves, se llevará a cabo una nueva edición del PreChaves Rock, un evento que ofrecerá lo mejor del indie pop, rock y hasta música electrónica del momento.

Desde capital federal llegará todos los martes la banda emergente del circuito indie pop/rock que viene ganando terreno en la escena nacional. Entre sus logros se destaca haber grabado con Tomás Ferrero (Rayos Láser) y con Santiago Motorizado, quien colaboró en su destacada canción “Los aires de Buenos Aires”.

La noche también contará con la participación del músico chavense Eze Aguilera, quien se presentará en formato banda interpretando sus propias canciones como solista. El músico contará con invitados de la ciudad de Berisso, La Plata, Tres Arroyos y hasta el reconocido músico Juan Pablo Cernutto, cantante y bajista de la banda juarense La fórmula de Hiroshima.

Como cierre, la comisión de Chaves Rock tiene el agrado de presentar a Nexeh, reconocido DJ del pueblo de De la Garma radicado en La Plata, que pondrá el broche final a esta velada musical convirtiéndola en una verdadera fiesta electrónica.

Habrá servicio de cantina y las entradas anticipadas ya se pueden conseguir a través de la red social Instagram escribiendo a la cuenta @infochavesrock.

En forma reciente, se llevó a cabo la instancia local de disciplinas culturales de los Juegos Bonaerenses. Obtuvo el tercer lugar en tango Norma Santos de Moreno, acompañada en guitarra por Carlitos Villalba quien fue muy felicitado por familiares, amistades y camaradas.

Norma canta habitualmente, participó en anteriores ediciones y siempre deja lo mejor de sí en cada presentación. Disfruta con el canto y la música.

Contó que está muy feliz, contenta y agradecida a Dios por el regalo recibido, así toma esta actuación en el Teatro, teniendo en cuenta además que el saábado cumplió 87 años. Dijo, con convicción que “siempre se puede, adelante” y expresó un deseo: “Feliz Día del Amigo”.